alejandro ortiz gonzález

BACAANDA proyecto de arte contemporáneo

2009-04-25T10:54:00.000-07:00

El estado de Oaxaca se ha con vertido a través de los años en un centro cultural de suma importancia a nivel mundial, este crecimiento a sido posible sobre todo, gracias a las iniciativas independientes implementadas por artistas destacados, promotores culturales, fundaciones y empresarios que han aportado al rescate y protección del patrimonio cultural, del arte y de las tradiciones de Oaxaca y su gente.

El Bacaanda proyecto de arte contemporaneo, es una propuesta artística que une los esfuerzos e ideas de creadores en diversas disciplinas para crear nuevas dinámicas de intercambio, formación, producción artística contemporánea y difusión cultural en el estado de Oaxaca, especialmente en el Istmo de Tehuantepec.
Es un proyecto cultural independiente, auto gestivo, iniciado en mes de mayo de 2006. teniendo como sede: El Centro de Educación Ambiental “Julio Bustillo Cacho” en el que funciona como un proyecto colectivo sin fines de lucro, vinculado al arte, la sociedad y la cultura.

Impulsado por los artistas visuales Juchitecos Demian Flores Cortes y Cristian Pineda Flores, este ultimo es su coordinador generar. siendo este proyecto una extensión de su quehacer artístico.

El proyecto Bacaanda, se estructura a partir del Programa de Residencias Artísticas, el Cine Club Comunitario, el sello de Ediciones Bacaanda , bajo el cual se edita Bacaanda la revista y los libros de la “Colección sueños” el Taller de producción de obra grafica contemporánea y proyectos especiales de exhibicion.

El proyecto Bacaanda esta abierto a la interacción y aportaciones de críticos de arte, promotores culturales, curadores, galeristas, fundaciones, editoriales, periodistas, artistas plásticos y visuales, video astas, grabadores, fotógrafos, caricaturistas, escultores, músicos, escritores y en general a todos aquellos involucrados en el mundo de la creación y promoción de proyectos culturales.

La propuesta indecorosa de Humberto Jardón

2007-09-24T11:46:00.000-07:00

* Inaugura la exposición “Popnográficas” este 27 de septiembre en la librería Conejo Blanco, en la Condesa (Amsterdam 67, entre Sonora y Parras)

Alejandro Ortiz González
CIUDAD DE MÉXICO

Provocativa, apegada a una lógica de resistencia frente al cada vez más estrecho statu quo, la mirada y la propuesta de Humberto Jardón llegan, finalmente, luego de varios años de trabajo alrededor, desde, ante y frente a la visión de lo erótico-pronográfico, a una muestra individual, y tratándose de su trabajo, como corresponde, no podía presentarlo en cualquier galería. Es el Conejo Blanco, librería-galería-boutique cultural de las promotoras Adriana Casas y Marcela Flores, el sitio que alberga la expo “Popnográficas”, de Humberto Jardón, artista visual y co-fundador del Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, en el cual dirige el Taller de Gráfica Digital.

La ironía es moneda que se confunde con el escepticismo, con la amargura y en no pocas ocasiones con la irritación. En el caso de Jardón y su Castillo de Naipes “popnográficos”, es más el ímpetu por reclamar un territorio para la libertad el que lo lleva a presentar esta expo, con todas las ganas de provocar a quien todavía hoy pueda tener algún reparo sobre el tema de lo erótico-pornográfico. No se puede confundir, sin embargo, el trabajo de Jardón, con un lance superficial sobre el terreno del uso del cuerpo y de la lujuria. El suyo es un trabajo concienzudo, articulado desde la visión de un consumidor de productos culturales tan diversos como la pintura clásica italiana, la escultura griega, el cine alemán o la música de Lou Reed, transitando por una pasión casi religiosa por el uso de los nuevos medios, la tecnología aplicada a las artes visuales, el video, la electrografía, la gráfica digital y la impresión en cuanto soporte se pueda uno imaginar.

Para la exposicion “Popnográficas”, a inaugurarse el proximo 27 de septiembre a las 20:00 horas en la librería Conejo Blanco, ha elaborado un Castillo de Naipes cuyo tema es la pornografia (revisitada a traves de la forma y el color), además de cuatro cortinas de baño, un gran mosaico blanco y negro, una pequeña lámpara con movimiento y una sección de artículos para su venta, tales como botones, las figuras de la baraja inglesa, portacondones y lo que él mismo denomina “imanes kaleidoscópicos”.

¿Productos culturales o fetiches?
Sin señalarlo abiertamente, Jardón provoca en la mente de quien se enfrenta a sus “Popnográficas” una ilusión de transferencia de valores. El Castillo de Naipes se convierte en un juego mental de asociaciones múltiples, un juego de espejos que deja de lado las imágenes contenidas en cada naipe, todas de corte obviamente sexual. Lo explícito no es lo más importante, sin duda, sino lo que se construye en cada mente al afrontar la propuesta. No hay respuestas, sino nuevas preguntas, nuevos horizontes para mirar de otro modo lo quue vemos todos los días en todas partes.

En sus propias palabras
“Constructo de la Era Victoriana –dice Jardón a propósito de su expo–, la pornografía se revela en la actualidad como una más de las características que definen lo humano y, como buen producto del inconsciente oculto… desde aquellas esculturas del arte grecolatino que solamente privilegiados pueden admirar en algún museo napolitano, pasando por manuscritos con imágenes marginales (literalmente) a su tema: o detalles de las portadas en otro templo románico (sin duda con intenciones didácticas)… hasta la transformación de los átomos en bits, demuestran la fascinación que la humanidad (mujeres y hombres) descubre en sus creaciones tecnológicas, permitiéndole (si se lo propone) retirar lo sucio del trazo y recobrar a través del color y la forma y el material, la poesía contenida en los actos mas íntimos y privados… reconfigurando la mirada y transformando lo mecánico en (nuevamente) orgánico, que en definitiva es la promesa de la tecnología de la información… tal y como desde hace tanto han pregonado los bardos de la barbarie: …I sing the Bodyelectric.”

¿Quién diablos es Jardón?
Esencialmente un artista visual y un maestro reconocido por su calidad en los procesos digitales de captura, edición, retoque y salida (impresión) en todo tipo de soportes. Nacido en la Ciudad de México en 1953, es licenciado en Artes Visuales por la ENAP/UNAM. Actualmente se desempeña como el responsable del Taller de Gráfica Digital del Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes. Su trabajo siempre ha estado ligado a las Tecnologias de Reproducion Automatizadas, primero a traves del CopyArt y el Video, para proseguir con las tecnologias de captura, edicion y salida digitales, con un especial énfasis en los formatos y soportes. Ha participado en numerosas exposiciones y congresos, encuentros y coloquios tanto nacionales como internacionales, así como impartido talleres sobre los sistemas de manejo del color. En los años recientes ha sido uno de los principales asesores (si no es que el único) en los Centros de las Artes estatales, en cuanto a la implementación de los proyectos de espacios para desarrollo de nuevos medios y tecnologías de la información.

Adiós a la cultura… Carta abierta a Sergio Vela

2007-04-09T07:56:00.000-07:00

Estimado Sergio,

Quizá le parezca atrevido que le llame por su nombre, sin anteponerle cargos o títulos ¬–¬académicos, nobiliarios, honoríficos¬–, como si lo conociera, pero es que los formalismos me aprietan tanto como las corbatas. Le escribo, eso sí, con respeto, para pedirle que recapacite y recapitule antes de continuar por el mismo camino de oscuridad que siguió su antecesora, la señora presidenta, que no supo, no pudo, no quiso, no entendió o alcanzó a ver lo importante que era (es) corregir la nave que sirve de punta a eso que llamamos “la cultura nacional”.

No le pedimos –hablo por mí y por mi sombra que cuelga del perchero mientras le escribo esta carta–, no le demandamos nada fuera de sus posibilidades, de su alcance. Tan sólo le recomendamos que en su plan de trabajo de seis años, fije sus prioridades de otro modo, anteponiendo a las personas, a los colaboradores que por años han entregado su vida a la cultura en México y hoy tienen que tomar la calle para que alguien los escuche, los mire, los atienda.

Le sugerimos –siempre atentamente, desde la primera persona del plural– que no piense en las instituciones como si se tratara de inmuebles, ni a la cultura como un “patrimonio” al cual hay que resguardar y proteger del polvo como si se tratara de equipo de cómputo o de archiveros y cajoneras, propensas al deterioro, la depreciación y el devalúo incesante.

No señor, sabemos de sobra –y esta vez me refiero a todos nosotros, los nombres propios, reales y ficticios con que hemos firmado nuestras notas en los últimos años– que usted sabe que todos nosotros sabemos, que usted sabe muchas cosas sobre el aparato cultural que hoy dirige, pues ha estado adscrito a él desde hace años, sumando sus conocimientos y experiencias y dejando pasar, a su pesar seguramente, infinidad de pequeñas atrocidades que hoy tiene en sus manos evitar.

En fin, sirvan estas líneas poco tersas, torpes y atropelladas, para pedirle del modo menos atrevido que se asome por la ventana de su despacho y entienda que el lado oscuro de la fuerza ya está aquí, y el mecanismo que usted tiene a bien dirigir puede levantar el vuelo y dejar de ser un elefante blanco (de yeso de tercera) y convertirse en una referencia, un puntal para acicatear a todas las fuerzas públicas y privadas, individuales y colectivas, lícitas e ilícitas, que hoy quieren un México nada más para ellos. Qué bien le pintarían las cosas si tuviera de su lado a las fuerzas creadoras de este país (y con ellos a las de otras latitudes), a los académicos y a los científicos.

¿Se imagina rodeado, seguido y apoyado por todos esos artistas y famosos del medio cultural, enviando inciativas de ley y proyectos de alcance trascendental? En los últimos años he aprendido –y esta vez hablo solo, desde la primera persona de mi singular persona–, que un solo traidor puede con mil poetas, pintores, fotógrafos, bailarines o arquitectos (por decir los menos). No se juegue su reputación por quienes se irán como llegaron, por la puerta trasera, mejor juéguesela por quienes siguen siendo el pilar de esa institución que hoy encabeza.

Le dejamos –mi sombra y yo, inclinados sobre la silla que nos sostiene al terminar estas líneas–, un cordial saludo, en espera de que la cordura, la inteligencia y la visión de futuro se antepongan a su cargo.

QUE CONFIANCITAS…

Ser trabajador de confianza, en otras épocas, significaba tener ciertos privilegios, ciertas encomiendas derivadas de responsabilidades no estipuladas en los contratos colectivos: estrategas, asesores, gurús y demás rémoras del aparato, ganaban mucho más que la gente de base, recibían prestaciones más allá de lo imaginable y protección médica fuera del alcance de las mayorías.

Ser de confianza era estar adentro del círculo de beneficios del poder sin las ataduras de la burocracia. Hoy ser “un trabajador de confianza” es vivir en el filo del eufemismo. No se tiene mejor sueldo, ni más prestaciones, ni protección ni seguridad de nada, es más bien trabajar “sin confianza”. Hoy son miles y los llaman eventuales, con todo lo que ello significa.

Los hay, sin embargo, que viven con la confianza suficiente por seguir siendo “el preferido del profesor”, o de la profesora, y estar en una categoría de lapas gracias a sus relaciones, pero no es de esos de quienes hablo ahora, sino de aquellos promotores, investigadores, artistas y trabajadores del sector cultural que llevan 5, 10, 15 años dejando todo lo que tienen y saben al servicio de la gente, del sector y de las instituciones que hoy los tratan como arrimados, y que si no les gusta pues ahí está la PFP, la AFI, la PGR, la SIEDO, el CISEN y la Policía Militar si es necesario probar que aquí no pasa nada de nada y todo está requetebién. Y para muestra un botón, la PFP resguardando al CNCA.

Los “quejosos”, o sea los trabajadores que piden lo justo pero son identificados como “remilgosos”, “revoltosos”, “insidiosos” y “alborotadores”, sólo piden (y seguirán pidiendo) reunirse con Sergio Vela, para –de acuerdo a la nota de Jesús Alejo publicada en Milenio el martes 3 de abril pasado– “presentarle un pliego petitorio, sin embargo, el funcionario espera que la solución a sus problemas se dé a través de las instancias correspondientes, es decir la dirección General de Asuntos Laborales del Consejo”, o lo que es igual, ¿y yo por qué?

Sergio Vela debe entender que está en un puesto político y ejerce un poder político dentro del sector público. Soluciones políticas a problemas administrativos suelen tener malos resultados, salvo cuando los “problemas administrativos” son producto de malas decisiones administrativas y políticas anteriores, que hoy son su responsabilidad.

Vela tiene en sus manos la posibilidad de entrar a la solución de fondo de un aparato cultural monstruoso, parchado, mal conducido y destruido por los políticos y los administradores. Su cultura, su conocimiento y su experiencia deben decirle que si deja a los departamentos jurídicos y administrativos la solución de problemas con personas, el caso escalará y se irá sumando la comunidad cultural, pese a los miedos a que las becas se acaben o se repartan sin pensar en ellos.

“Para presionar –señala Sergio Vela en la misma nota de Jesús Alejo–, ese grupo impidió durante tres días el acceso a las oficinas de Paseo de la Reforma, donde se encuentra un buen número de direcciones generales del consejo. De una manera prudente y frente a la amenaza de tomar otras instalaciones, como la presidencia del Conaculta y de la Biblioteca Vasconcelos, se solicitó la presencia de la PFP”.

En otras palabras, se cumple el pronóstico que dábamos hace algunas semanas en este mismo espacio cedido por Patricio. Ahora la policía custodia edificios donde se encuentra bien resguardada la cultura, aunque estén vacíos, tengan goteras o grietas, pues lo importante es que están bien cuidadas en caso de que se necesite hacer algún desfile u otro evento cultural de igual magnitud y en sentido contrario (ups).

OTRA SOLUCIÓN

En el afán de proponer y poner a discusión ideas que puedan beneficiar a las mayorías, este tecladista aventura una ideota de ésas que llaman la atención de los head hunters para puestos directivos, ejecutivos, corporativos. Ya que en su proceso de reclutamiento la PFP no tuvo mucho éxito, ni en las calles ni en la Universidad Nacional Autónoma de México ni en las filas del Ejército mismo, quizá sea una buena idea que reclute artistas, académicos, intelectuales (orgánicos e inorgánicos) y trabajadores del sector cultural. Quién quita y ahí está una fuente inagotable de personal altamente capacitado y deseoso de ganar un sueldo base, con prestaciones y toda la cosa. ¿Será?

CURIOSIDADES

Basta de especulaciones. Lo de las goteras en la Biblioteca Vasconcelos no es producto de una megatransa, un megafraude ni de un megadesvío de recursos públicos a la campaña presidencial, al museo de Fox ni a negocios privados ocultos y por descubrir con sólo rascarle un poquititito, no señor, es totalmente deliberado, es para que los huesos de la ballena colgante en el vestíbulo principal no se resequen.

(Publicada en Milenio Diario el sábado 7 de abril del 2007)

From the ashes

2007-02-28T10:11:00.000-08:00

Translation by Belinda Duckles

Cae la ceniza sobre mi mano y el instante es egipcio
David Huerta

In his book La apariencia desnuda. La obra de Marcel Duchamp, Octavio Paz wrote: ''The history of Modern Art, from the Renaissance to our days, can be described as the gradual transformation of the work of art into an artistic object", to point out later on: "The value of a painting, a poem or any other artistic creation is measured by the signs it reveals to us and their possible combinations. A work of art is a signifying machine¨.

The works of an artist, like those of a poet, are similar in many ways; they seek to render meaning to the pieces they produce, to give them life beyond the hidden intentions of the creator, granting them the power to transcend and touch the spirit of whoever sees them, observes them and assimilates them unto himself.

The works of William Berry, whether on canvas or paper, stone, plates or in the garden, are permanently struggling against this double condition, the illusion of the work as an object and the temptation of the artist’s mask, the idea that the artistic product is what is worth preserving, showing, buying or selling; the temptation to produce objects for others to collect. For the artist all is in the process, the work will always be definitively unfinished until it has met with it’s spectator, it’s public. Maybe this is why, for Will Berry, the main source of ideas and resources, energy and strength, is in nature, in his surroundings, in the air he breathes, in the rotating signs.

From the moment he wakes until he goes back to bed his work occurs in an evolution towards the art of combinations, the search for meaning towards and from the world that surrounds him; this is why his terrace on the colonia Roma is becoming a garden of ideas, a space where the mind can run wild thrusting its nets towards a reflection on the steps that turn the artist into a nomad, a traveler.

In this dynamic that is inhabited by contemporary artists, Will Berry shakes free of his shadow and steps aside, abandoning himself, his Western world, and throwing himself into the adventure of being an Other, a new arts that does not wish his work to be mistaken with the work of the artist, his ouvre with what is expected from him. Proof of this is his obsession with napkins, a meticulous and systematic work he has been practicing for 20 years, and that has become a logbook, a memoir of the places where he has been, lived, dreamed; an inventory of the days and hours that have crossed his gaze, of the sketcher who surrenders himself to the pleasant trade of absolute contemplation.

It is also, however, proof of his relationship with the here and now; a need to anchor all, a certain moment in space that can be, as if through the absorption of ink on the thinnest, maybe most insignificant, surfaces, as if he were fixing his skin and his ideas in those pieces of paper. Again, insignificances in search of meaning, signification, signs, and points in which to fix the gaze and land a rotating mind.

This series exemplifies his passion for drawing, for creating anywhere, anytime. From a handful of napkins selected from a dozen boxes brimming with pieces of paper, collected along the years in restaurants and cafes of various cities in the world, one takes a piece of his memory that, ultimately is a piece of collective memory.
The title of the series, which originates this book, could have been Below the Black Mountain, Clearly alluding to Lowry's book, as well as the emblematic Black Mountain School, but it could also have been The Heart of the Black Stone, or beyond that, From the Ashes. Why? Because this small series is the result of Will Berry’s residing in Mexico City and, above all, his appropriation of this country, its images, its being and its signs; southern Mexico City and its black, volcanic stones.

An exhaustive research into the life and work of this artist would undoubtedly shed more information about his way of seeing and listening, no to mention his particular way of talking in a low voice, almost a whisper, as if he was establishing a position that emphasizes the sense and the essence of what is said rather than it’s form or potency. The value and strength of the world are within it, and even though it is important to demonstrate certain power when expressing them, it is a fact that mystery and silence are more readily associated with serenity and equilibrium.

While I write these lines I reflect on the possible relationship between the words and the signs exposed by Will in his napkins and, above all, on the importance of these pieces in the corpus of his work, in the personal history he has drawn during the last 20 years. From the Ashes feels like the most adequate title to find affinities with his work, for his process is that of the Phoenix that rises from the ashes in a new vital adventure that began when he moved to Mexico City.

His, seems like a resurrection, a coming back to life to honor the moment, Carpe Diem, to honor friendship, creation, conversation. His, seems a levitational existence that only lands long enough to make concrete the works that shape his personal catalogue, the paintings, engravings, plants, roots, the few pieces of furniture that co-inhabit this vital space

This book, The Pull of the Air, appears under the editorial seal of Taller Raiz (sister company of Chichicastle Art Press), and must be celebrated for reasons beyond the obvious. Books on artists, author-based, object-books, are disappearing. I celebrate that Taller Raiz is showing us a road to be followed, hard to traverse, certainly, but walkable. A road with heart, as Carlos Castaneda said Don Juan Matus used to say, even though both were just a line drawn in water, a road where to meet ourselves, to temper us, to find a better place in the world. In conversation, William Berry said: "In Pull of the Air, we were able to create a series of original engravings with the skill of master engraver Eric Muñoz, who reproduced 10 of napkin drawings using a process in which the image is transferred directly onto the coppe plate¨. In this book and in his art, in his work and in his friendships, William Berry finds abetter place in the world.

Will knows there is no rest; this place only exists if he recreates it every day. As Quantum Physics explains, the world is what we want it to be, like we want it, when we want it, and that is the lesson that William Berry repeats to himself, and is daily registered in his work.

Desde las cenizas

2007-02-28T10:09:00.000-08:00

Cae la ceniza sobre mi mano y el instante es egipcio…
David Huerta

"La historia de la pintura moderna -escribe Octavio Paz en La apariencia desnuda. La obra de Marcel Duchamp-, desde el Renacimiento hasta nuestros días, podría describirse como la paulatina transformación de la obra de arte en objeto artístico", para señalar un poco más adelante: "El valor de un cuadro, un poema o cualquiera otra creación de arte se mide por los signos que nos revela y por las posibilidades de combinarlos que contiene. Una obra es una máquina de significar".

Los trabajos del pintor, como los del poeta, se asemejan en más de un sentido, buscan dotar de significado las piezas que producen, darles una vida más allá de las intenciones ocultas de quien las crea, otorgarles un poder para trascender y tocar el espíritu de cualquiera que las mire, las contemple, las asimile como propias.

Los trabajos de William Berry, sea en la tela o en el papel, en la piedra, en la placa o en el jardín, luchan permanentemente contra esta doble condición, la ilusión de la obra como objeto y la tentación de la máscara del artista, la idea de que el producto artístico es lo que vale la pena conservar, mostrar, comprar y vender, y la tentación de ser un productor de objetos coleccionables por otros. Pero para el artista el proceso lo es todo, la obra estará siempre definitivamente inacabado en tanto no se encuentre con su espectador, con su público. Quizá por esto la fuente principal de ideas y recursos, de energía y de fuerza para Will Berry sea la naturaleza, el entorno, el aire que respira, los signos en rotación.

Su trabajo, desde que se levanta hasta que vuelve a la cama, transcurre en una evolución hacia el arte de la combinatoria, de la búsqueda de significación hacia y desde el mundo que lo rodea, de ahí que su terraza en la colonia Roma se esté convirtiendo en un jardín de las ideas, un espacio para que la mente pueda desbocarse y lanzar sus redes hacia la reflexión sobre los pasos que hacen del artista un nómada, un caminante.

En esta dinámica en que vive el artista contemporáneo, Will Berry se sacude su sombra y da un paso al costado, sale de sí mismo, de su mundo occidental, y se lanza a la aventura de ser otro, un nuevo artista que no quiere confundir su trabajo con el trabajo del pintor, su obra con la obra que se espera de él. Prueba de ello es su obsesión por las servilletas, un trabajo meticuloso y sistemático que ejerce desde hace 20 años y que se ha convertido en una bitácora, una memoria de los sitios donde ha estado, vivido, soñado, un recuento de los días y las horas que se han cruzado por su mirada, la del dibujante que se entrega al placentero oficio de la contemplación absoluta.

Pero también es una prueba de su relación con el aquí y el ahora, una necesidad por anclar todo lo que es en un momento determinado en el espacio, como si en esos trozos de papel fijara su piel y sus ideas gracias a la absorción de la tinta sobre las superficies más delgadas y quizá insignificantes . Nuevamente, insignificancias en búsqueda de significado, significación, signos, puntos para fijar la mirada y aterrizar una mente en rotación.

La serie que aquí presenta es un ejemplo de su pasión por el dibujo, por la creación en todos lados y en todo momento, un puñado de servilletas seleccionadas de entre una decena de cajas rebosantes de papeles, recolectados a lo largo de los años en restaurantes y cafés de varias ciudades del mundo, un trozo de su memoria que, a final de cuentas, es un trozo de la memoria colectiva.

El título de esta serie pudo ser Bajo la Montaña Negra (Below the Black Mountain), en una clara alusión tanto al libro de Lowry como al suceso emblemático de la Black Mountain School, pero también pudo ser El corazón de la Piedra Negra (The Heart of the Black Stone), o un poco más allá, Desde las cenizas (From the Ashes). ¿Por qué? Porque esta pequeña serie es resultado del radicamiento de Will Berry en la Ciudad de México, y sobre todo, de su apropiamiento del sur de la ciudad y de sus piedras negras y volcánicas.

Una investigación exhaustiva en la vida y obra de este pintor arrojaría sin duda información sobre sus modos de ver y de escuchar, sin mencionar su particular estilo de hablar, por lo bajo, casi en un susurro, como fijando una posición que apuesta por el sentido y la esencia de lo que se dice más que por la forma o la potencia. El valor y la fortaleza del mundo están en su interior, y si bien es importante mostrar un cierto poder al expresarlos, es un hecho que el misterio y el silencio se asocian con mayor facilidad a la serenidad y al equilibrio.

Al escribir estas líneas pienso en la posible relación entre las palabras y los signos expuestos por Will en sus servilletas, y sobre todo, en la importancia que tienen estas piezas en el corpus de su obra, en la historia personal que ha dibujado en los últimos 20 años. Desde las cenizas se antoja como el título más adecuado para encontrar afinidades con su trabajo, pues el suyo es el proceso del Fénix, que se alza de las cenizas en una nueva aventura vital que comienza al mudarse a la Ciudad de México.

La suya parece una resurrección, un volver a la vida para honrar el momento, Carpe Diem, para honrar la amistad, la creación, la charla. La suya parece una existencia levitativa que sólo aterriza para hacer concretas las obras que forman su catálogo personal, los cuadros, los grabados, las plantas, las raíces, los pocos muebles que habitan junto con él el espacio vital.

Aparece este libro y es de celebrar por más razones que la obvia. Los libros de artista, de autor, los libros-objeto, están desapareciendo. Celebro que Chichicatle Art Press nos muestre un camino a seguir, difícil de recorrer ciertamente, pero caminable. Un camino con corazón, como decía Castaneda que decía Don Juan, aunque ambos fueran sólo una raya en el agua, un camino para reconocemos en él, para templamos, para encontrar un mejor lugar en el mundo. William Berry encuentra con este libro y con sus piezas, con su trabajo y sus amigos, con su esmero y su dedicación, un mejor lugar en el mundo.

Sabe que no hay tregua, que este lugar existe sólo si él lo hace todos los días, como explica la Física Cuántica, el mundo es lo que nosotros queramos que sea, como queramos, cuando lo queramos, ésa es la lección que se repite a sí mismo William Berry y que registra en su trabajo todos los días.

sombras en la casa

2007-02-07T09:19:00.000-08:00

Una mano en el humo
entra a la casa,
la brasa del cigarro
se estremece.

Sobre la silla descansa
mi sombra. El peso de mis huesos
acaba por vencer el paso del tiempo.

Entre la madera y el mimbre tiene lugar
un alboroto de termitas.

Una sombra se abraza a los cristales,
largamente me mira desde su semblante.

Saltan las persianas y las sombras
en una danza que fascina...
Y una parvada de risas cruza el aire.

El timbre del teléfono se funde con el jaleo de las aves.

Primero tenue,
el trazo va tomando peso,
se aprecia con claridad el dibujo de una jarra.

El trazo se posa sobre un papel mojado,
la ventana deja de ser la encrucijada:
Un hilo de tinta surca la blancura.

El jardín de las palabras se desborda hacia los lindes del papel.
Y así como llega,
se va.

La tempestad está en la sangre
y en la garganta del árbol,
en la ventana que no conoce límites.

Suben las sombras por las paredes y desaparecen,
saltan sobre un mueble y me provocan,
caen sobre la mesa y la madera cruje.

No pasa mayor cosa que el tiempo.

Los ojos quietos en su latido,
atentos a cualquier suceso.

Algo saben esas sombras sobre perfiles y mapas.

Hablo de una ventana en particular,
un muro de agua,
cuarenta y dos mares interiores
y algunos arrecifes de papel.

Hablo del agua también,
de sus procesos de agitación y muerte,
la nombro como quien desmenuza
el cadáver exquisito de una nuez.

Sigo pensando en la ventana y en el árbol,
en lo dicho y en lo que la imaginación ha sugerido:
el árbol atravesando el aire frente a los cristales,
el aire atravesado por un medallón de luz.

Abro la ventana y la luz de abril se clava en mi costado.

En un rincón del cuarto, cocida por el calor,
una manzana verde me provoca.

El peso de la tarde cabalga sobre mis ojos.

No me obedecen más las sombras de mis pasos.
Un sueño sin nombre se adivina
en la corriente del río que cruza la madera.

La ventana separándome del mundo.

Sitiado en la hoja,
un cigarrillo se columpia en su propia muerte.

El garigol del humo le otorga un aire de importancia,
eufórico se mece y en su baile la brasa lo sorprende,
lo devasta.

Una brisa sin origen esparce la visión.

El sueño de las piedras

2007-01-08T16:22:00.001-08:00

Dichoso el árbol que es apenas sensitivo
y más la piedra dura, porque ésa ya no siente…
Rubén Darío

Cuando decimos: “si las piedras hablaran”, repetimos el esquema de pensamiento que niega la sorpresa y el asombro, caemos en el abismo de la razón que se impone sobre los sentidos y negamos la poesía que existe y se sobrepone a todas las cosas que componen el mundo, cerramos la puerta a la magia y nuestros ojos se secan un poco más cada día.

El tiempo marca su propia estrategia. Will Berry es como un árbol cuyas ramas crecen ordenadamente pero sin descanso. Una obra es el origen de otra, un grabado es el principio de una idea, una raíz que se convierte en mesa es el incio de un viaje, y ese viaje es el principio vivo de una nueva obra, un disco de piedra volcánica, un trazo y una hendidura sobre la piedra, otra piedra, un rodillo, tinta y un rollo de papel, marcas sobre la superficie, huellas de luz, sombras sobre un mosaico de polvos y texturas. Las piedras de Berry son trozos de volcanes que laten todavía y nos recuerdan que somos del polvo y al polvo volveremos.

Cuando creemos que las piedras son objetos inanimados, inertes y fríos, rechazamos de un tajo la historia del arte, el ser y saber de la escultura, la misión y el salto del arquitecto, el sueño del artista, como si la música fuera posible sólo en nuestras mentes y a través de nuestros oídos, como si la escala existiera porque nosotros existimos. La música es, antes y después de nosotros, y las piedras y las ramas del árbol lo saben, y el polvo la disfruta y es parte integral de su marea.

Los trabajos de Will Berry han venido transformándose gradualmente en los últimos años; podríamos decir que su locura va en saludable aumento conforme pasa más tiempo en México, rodeado de vida y de nuevos amigos, alimentándose del silencio que nutre a las aves de su nuevo jardín, saciándose de la música que brota de las piedras como un agua que existe sólo para él, como si Xilitla y Edward James volvieran de la selva potosina para incrustarse en la casa de Berry en el corazón de Coyoacán y lo empujaran a salir de sí mismo y a viajar al interior de la poesía que brilla en cada instante.

Decir que las piedras sienten, que aman demasiado, decir que cambian de parecer según el clima, que mutan de color o que sudan, puede parecer un disparate. Pero qué es el arte si no un conjunto de locuras asociadas, una colección de sinsentidos que se agolpan para darnos una nueva ruta de navegación, una nueva dirección.

Cuando asistí a la inauguración de la muestra Cambio de piel en el Museo de la Estampa, Will Berry presentaba, como un juego que se incorporó de última hora, sus rodillos de piedra volcánica cuyas huellas de tinta se extendían como partituras sobre largos pergaminos de papel hecho a mano, mientras en el sonido ambiente se escuchaba un chelo que penetraba cada sala del museo con un dejo melancólico. Will me preguntó entonces qué me parecía la música de las piedras. Mi asombro creció diametralmente cuando entendí que las notas, eran producto de las huellas de la roca volcánica en su paso hacia el papel pautado, labor que había ejecutado su sobrino. Una nueva rama en el árbol Berry.

Decimos que las piedras hablan porque tienen su propio lenguaje, que su cuerpo es transitable y que su materia es orgánica y sensible, que somos como las piedras porque rodamos y endurecemos nuestro caracter, puliendo cada punta del espíritu. Decimos que las piedras sueñan con el polvo, con su ligereza, pero lo mismo podemos decir del polvo, que sueña con la piedra y su capacidad para hundirse en el agua, con su densidad y su peso.

“Si como el griego afirma en el Cratilo el nombre es arquetipo de la cosa, el nombre de la rosa está en la rosa y todo el Nilo en la palabra Nilo”, escribe Borges en uno de sus poemas del conocimiento, permitiéndonos jugar con las palabras y buscarle nuevos significados y sentidos al árbol Berry: la música de las piedras, la música en las piedras, las piedras de la música, las piedras a través de la música… no importa realmente cuál sea el orden para colocar estas palabras, lo que importa es que todos los caminos llevan a Berry.

The dream of stones

2007-01-08T16:20:00.000-08:00

Happy the tree that is hardly sensitive
and plus the hard stone,
because that one no longer feels...…
Rubén Darío

When we say: ‘if only stones could talk’, we repeat the thought scheme that ussually denies the surprise and the astonishment, we fall in the abyss of reason that prevails on the senses and we denied the poetry that exists and controls all the things that compose the world, we close the door to the magic and our eyes a little plus every day are dried.

The time marks its own strategy. Will Berry is as a tree whose branches grow with order but without rest. A work is the origin of another one, an engraving is the principle of an idea, a root that becomes table is the origin of a trip, and that trip is the alive principle of a new work, a volcanic stone disc, an outline and a crack on the stone, another stone, a roller, red and a roll of paper, marks on the surface, tracks of light, shades on a dust mosaic and textures. The stones of Berry are volcano pieces that still bark and they remember us that we are of the dust and to the dust we will return.

When we think that the stones are inanimate objects, inert and cold, we rejected of a edge the history of the art, the being and knowledge of the sculpture, the mission and the jump of the architect, the dream of the artist, as if music was possible only in our minds and through our ears, as if the scale existed because we existed. Music is, before and after us, and the stones and the branches of the tree know it, and the dust enjoys it and is integral part of its tide.

The works of Will Berry have come becoming gradually in the last years; we could say that its madness goes in healthful in agreement increase spends more time in Mexico, surrounded by life and new friends, feeding itself on the silence that nourishes the birds of its new garden, satiating itself of the music that appears of stones like a water that exists only for him as if Xilitla and Edward James returned from the San Luis Potosí forest to become engraved in the house of Berry in the heart of Coyoacán and they pushed it to leave itself and to travel to the interior of the poetry that shines at every moment.

To say that the stones feel, that love too much, to say that they change to seem according to the climate, that mutan of color or that they sweat, can seem a silly thing. But what is the art if not a assembly of madnesses associated, a collection of nonsenses which they are crowded to give a new route us of navigation, a new direction.

When I attended the inauguration of the sample Change of skin in the Museum of Estampa, Will Berry presented/displayed, like a game that was gotten up of last hour, its volcanic stone rollers whose red tracks extended like scores on long parchments of paper handmade, while in the ambient sound chelo was listened to that penetrated each room of the museum with I leave melancholic. Will asked to me then what it seemed to me the music of stones. My astonishment grew diametrically when I understood that notes, they were product of the tracks of the volcanic rock in its passage towards the pautado paper, work that his nephew had executed. A new branch in the Berry tree.

We say that stones speak because they have his own language, that its body is passable and that its matter is organic and sensible, that we are like stones because we rolled and we harden our character, polishing each end of the spirit. We say that the stones dream about the dust, with their lightness, but the same we can say of the dust, that dreams about the stone and its capacity to sink in the water, with its density and its weight.

"If as the Greek affirms in the Cratilo the name is archetype of the thing, the name of the rose is in the rose and all the Nile in the Nile word", Borges writes in one of its poems of the knowledge, allowing us to play with the new words and to look for meaning and senses to the Berry tree: the music of stones, music in stones, the stones of music, the stones through music... it does not concern really which is the order to place these words, which matters is that all the ways take to Berry.

Confesiones de un comedor de apios

2007-01-05T10:23:00.000-08:00

Soy de los que creen en la verdad aunque duela, lastime, destruya o arruine. De este modo he tratado de ser congruente conmigo mismo y he sido cruel en mis comentarios con mucha gente, lo que me ha ganado múltiples animadversiones, comenzando por los muchos amigos que me han ido abandonando por decirles cosas que nadie en su sano juicio, sobrio o ebrio, les diría.

Desde que comencé a trabajar –en un diario, por cierto–, siempre he sido fiel a una idea básica sobre la comunicación: trata de que tu mensaje llegue a donde pretendes, o en otras palabras, no compliques las cosas con explicaciones, ve directo al grano, sin rodeos, después habrá tiempo para los adornos y las vueltas de tuerca.

Las famosa máxima de incluir en el primer párrafo de una nota todo lo que tienes que decir, ha terminado con las aspiraciones literarias de más de un periodista. Creo, como dice Ariel González, editor de Cultura de Milenio Diario, que todos los periodistas son escritores –y, por añadidura, que no todos son buenos–, y más, creo que todos los periodistas deberían aspirar a escribir cada vez mejor, en un intento por satisfacer a sus pocos o muchos lectores, debería ser una responsabilidad, tomando en cuenta que los medios ocupan hoy los espacios que ayer ocupaba la academia.

SIN RODEOS
Somos lo que leemos, ciertamente, pero sobre todo somos lo que leemos en la forma en que lo hacemos. La lectura en voz alta es como una huella digital, como el registro de lo que somos y de lo que deseamos, de la forma en que enfrentamos el mundo todos los días.

La lectura textual es un reflejo de nuestra lectura visual y, por consecuencia, de nuestra lectura conceptual. Esto es tan obvio que todos lo pasamos por alto, dejando que la belleza y el placer de las palabras se conviertan en una aspiración de “iniciados”, como si el idioma fuera una propiedad de unos cuantos y no un bien común, un fruto para deleite de todos.

Siempre recordaré como una lección única de redacción el relato de José Emilio Pacheco sobre su tío Juan de la Cabada. Siendo niño, Pacheco visitó a su tío y le mostró un cuento que comenzaba describiendo la salida del sol sobre una montaña y la forma en que la luz se derramaba sobre los tejados de las casas del pueblo. De la Cabada tachó todo el inicio y escribió: “Era el crepúsculo”. No estoy seguro qué camino preferiría tomar yo, si la economía de recursos y la austeridad, o la rienda suelta, pero es un hecho que la gente, ese ente amorfo conformado por miles de individuos que insisten en comportarse como un masa, prefiere leer “Era el crepúsculo”, y por una simple razón, por su brevedad, por su simplicidad, por su inevitable síntesis.

Creo entender el mundo de hoy como un compendio de cápsulas de conocimiento, el tiempo se ha reducido a trozos interrumpidos de vida, de amor, de felicidad, de placer, de sueño. Hay, por decir lo menos, un empacho contra la continuidad, el largo aliento, la duración. Y las vías de acceso para el disfrute de los bienes culturales intangibles, como la lectura, viven un atraco diario en este sentido.

Por si esto fuera poco, la gente no lee lo que está escrito, sino que “ojea” los textos, del mismo modo que “ojea” el mundo y con ello interpreta un pedazo de visión de algo que cree que leyó. Se le llama “lectura disruptiva” y sus implicaciones están aún por verse. El teléfono descompuesto es literalmente un juego de niños comparado con esto.

ELOGIO DE LOS TÍTULOS
Como Duchamp (Marcel, el artista, no Romero Deschamps, el escapista), creo que los títulos, nombres, encabezados, son parte consustancial de la obra, pueden dar vida a una idea antes de que exista y ser el inicio de algo grande, espectacular, o bien anunciar una catástrofe e incluso inducirla. Sucede lo mismo que con los nombres de pila. Lo de menos es el nombre, dirán algunos, lo que vale es quien lo porta.

Así las cosas, llamarse como los cientos de miles de Marías y José Antonio y Juan de Dios que tenemos en México es lo de menos, lo importante es que que te apoden bien, que tu “nick” sea suficiente para llenarte de honor y orgullo y distinguirte de los demás: Pepetubi, Marianeta, Johnny DeusMachina (etc.). Nada de que te llames Apolonio y te digan el Menelao. Cuenta Don Balta –un buen amigo– que tenía un conocido que se le presentó un día diciéndole: “Mi nombre es Aureo Criollo, pero usté puede decirme Auréo”. Ver para creer.

EL SUEÑO DE LAS PIEDRAS
Cuando decimos: “si las piedras hablaran”, repetimos el esquema de pensamiento que niega la sorpresa y el asombro, caemos en el abismo de la razón que se impone sobre los sentidos y negamos la poesía que existe y se sobrepone a todas las cosas que componen el mundo, cerramos la puerta a la magia y nuestros ojos se secan un poco más cada día.

El tiempo marca su propia estrategia. Will Berry es como un árbol cuyas ramas crecen sin descanso. Una obra es el origen de otra, un grabado es el principio de una idea, una raíz que se convierte en mesa es el incio de un viaje, y ese viaje es el principio vivo de una nueva obra, un disco de piedra volcánica, un trazo y una hendidura sobre la piedra, otra piedra, un rodillo, tinta y un rollo de papel, marcas sobre la superficie, sombras sobre un mosaico de polvos y texturas. Las piedras de Berry son trozos de volcanes que laten todavía y nos recuerdan que somos del polvo y al polvo volveremos.

Cuando asistí a la inauguración de la muestra Cambio de piel en el Museo de la Estampa, Will Berry presentaba, como un juego que se incorporó de última hora, sus rodillos de piedra volcánica cuyas huellas de tinta se extendían como partituras sobre largos pergaminos de papel hecho a mano, mientras en el sonido ambiente se escuchaba un chelo que penetraba cada sala del museo con un dejo melancólico. Will me preguntó entonces qué me parecía la música de las piedras. Mi asombro creció diametralmente cuando entendí que las notas eran producto de las huellas de la roca volcánica en su paso hacia el papel pautado, labor que había ejecutado su sobrino. Una nueva rama en el árbol Berry.

Reincidencia en la tierra

2007-01-03T08:41:00.000-08:00

Para Eduardo Hurtado, por una ciudad sin puertas

Decía hace una semana en este espacio que la oferta principal del presupuesto, al menos en lo que toca a cultura y seguridad, es el blindaje, una especie de caparazón más propio de quien espera muchos golpes o una caída abismal, que de quien propone algo para dar un paso hacia un mejor punto, aunque sea de vista. Para lo que viene, mejor cuidar, resguardar, contener, ajustar, comprimir, oprimir y, esperemos que no, reprimir.

¿Cómo entender o aceptar si no, que se destinen recursos multillonarios al pago del rescate bancario, a las deudas contratadas por unos cuantos a nombre de todos, a la alta burocracia que administra como si la lana fuera una herencia familiar, al despilfarro de los legisladores y de los sindicatos charros, a las policías corrompidas por el crimen organizado, a los erarios estatales que tienen salida directa a las cuentas privadas de los gobernadores, a los fideicomisos que aparecen y desaparecen como por ensalmo? Que se callen los mudos.

VELA, VELA, VELA, VELA, VELA...
Como lo ha hecho en sus artículos y desplegados durante este año que termina, Eduardo Hurtado señala con sobrada inteligencia que el que calla otorga, será por ello que tanta gente ha respondido a sus convocatorias cuando dice algo, cuando hace algo para mostrar vías de participación desde la cultura y, particularmente, desde la literatura. No es el único, ciertamente, lo han hecho con tino y agudeza Luigi Amara y Carlos Montemayor, Fernando Gálvez y Víctor Hugo Rascón Banda.

No hace falta ser militante de nada, ni aliarse con nadie, ni lanzar consignas acartonadas o de sumarse a otros proyectos por anticipado, es un asunto de posición, de congruencia. Sergio Vela puede convertirse en una punta de lanza, pero serán su decisión y su toma de posición las que definan el rumbo. Lo que haga la administración cultural, hoy más que ayer y menos que mañana, será escrutado y debatido ampliamente entre quienes hacen y consumen y promueven y difunden la educación, la ciencia, el arte y la cultura. Será difícil –si no suicida–, creer que se pueden cometer más errores en estas áreas básicas del desarrollo humano. ¿Quién quiere quedarse callado?

ALZAR LA VOZ
Monsiváis reincide por el bien de todos y no deja pasar la oportunidad para plantar un árbol de decisiones, frente al golpe burocrático al ‘sector’ cultural y el milagroso incremento en los recursos públicos para el sector ‘policiaco-militar’, al entender con esto que se protegerá mejor a los amplísimos y crecientes públicos que suscitan las actividades culturales: más policías para salvaguardar las libertades de quienes ‘consumen’ arte y cultura en México.

Yo agregaría un grano de arena a esta palada, proponiendo que quienes producen la cultura (para ser más tecnocráticos y claros), se conviertan mejor en público, así tendrán más protección del Estado y podrán dedicarse a cosas menos riesgosas.

YO NO OLVIDO EL AÑO VIEJO
Se fueron amigos y enemigos, familiares y conocidos al tiempo que llegaron nuevos elementos a engrosar las filas de la esperanza, que siempre estará por llegar (o cuando menos tocará la puerta de vez en cuando). Se fueron a la cárcel muy pocos de los que debieran y muchos de los que no deberían (y para quienes seguiremos exigiendo libertad). Callaron muchos frente a las evidencias para mantener privilegios, mientras muchos más alzaron la voz y la mantienen, aunque a veces digan poco.

Se destaparon infinidad de coladeras que siguen abiertas, confirmando la regla de oro de la impunidad contemporánea: si quieres evadirte sólo lleva tu caso a la vitrina pública, todo se olvidará con el siguiente escándalo. Se anunció la construcción de una base espacial en la Luna para el 2020, como si la invasión a Irak no fuera una misión diseñada por lunáticos, marcianos y alienígenas esquizofrénicos. Se fue el 2006 y con él un año desgastante y de retrocesos. Ojalá hagamos honor al dicho y sepamos crecernos al castigo.

HOMONIMIA
Hace unos quince años leí por casualidad un artículo de Alfonso Reyes sobre la homonimia (o lo que es lo mismo, que otros 45 pelados tengan el mismo nombre que uno, o sea, que usted o yo). No recuerdo dónde y en qué año se publicó, pero pude entender su sorpresa cuando lo confundieron con un noble español durante un viaje en tren que hizo a esas tierras, y lo trataron como a un verdadero príncipe (como si él no lo hubiera sido), claro, él se abstuvo de señalar el error y gozó, como lo hizo siempre, con las buenas cosas que da la vida.

Digo que lo entendí, aunque en sentido contrario, cuando una mañana vi mi esquela en las primeras planas de todos los diarios: ¡Murió Alejandro Ortiz! Pude sentir una brisa fría rascándome las orejas. En otra ocasión leí que Alejandro Ortiz había conectado su enésimo Home Run en la Liga Mexicana de Béisbol, y sentí orgullo, una especie de cosquilla debajo del pantalón. Ni qué decir del Alejandro Ortiz que fue detenido por el presunto homicidio de 4 miembros del Frente Democrático Nacional en 1988 y pasó 8 años en la cárcel, hasta que se demostró que era inocente, o el Alejandro Ortiz que fue aprehendido (y al parecer sigue preso en el penal de Tlacolula) en los operativos recientes en Oaxaca, o el otro Alejandro Ortiz que es profesor e investigador sobre teatro mexicano, o el Alejandro Ortiz que prepara martinis con epazote en la cantina El Marasmo de Juana, en Tepic.

Me han pasado algunas cosas buenas y otras no tanto por este asunto de la homonimia, pero debo admitir que la más sorprendente fue cuando se me presentó en el bar El Central, en Oaxaca, un Alejandro Ortiz escritor, periodista y diseñador (yo no diseño mal, pero no soy diseñador), y me dijo que tenía varios cuates que también eran cuates míos. Si no lo hubiera visto frente a frente (él bajito, yo medio alto, él gordito, yo no tanto, él con lentes, yo sólo con gafas y de vez en cuando), hubiera pensado desde entonces que tengo un clon.

Pero no, somos dos y bien distintos, por eso si leen alguna vez artículos con mi firma sobre depilación láser o wellness, o dietas macrobióticas combinadas con rayos ultravioleta, o sobre los mejores sitios para el reventón en Aguascalientes, quiero dejar en claro de antemano que no soy yo.

El tiempo pasa y pasa y todo tan igual...

2006-12-27T11:05:00.000-08:00

Comienzo por lo primero, agradecer a los amigos de Milenio Diario por la invitación a ocupar por las siguientes 3 semanas el espacio del Pescado Original, de Patricio, a quien por cierto felicito por su cumpleaños. Segundo, enviar tarde pero sinceramente, un abrazo a Carlos Marín, y tercero, darle las gracias a tantos y tantos políticos, empresarios y mamarrachos que justifican con sus declaraciones y acciones la plena vigencia de todas las groserías habidas y por haber en el diccionario de la vida cotidiana, permitiendo que los rencores de millones tengan buen cauce… imagínense si esa energía negativa se quedara atorada o buscara algún camino de violencia o de reclamo organizado.

El título de esta nota tiene su origen en un verso del poeta del pueblo Marco Antonio Solís, el Buki, una frase que encierra en toda su ontología la densidad del ser de México y de su destino. La traigo conmigo como se carga un amuleto contra el fracaso: más vale malo por conocido que bueno por conocer. Me reconforta que el nuevo gobierno asuma esta actitud al reciclar con precisión de francotirador a tantos funcionarios de los 3 sexenios anteriores, malos pero malos con ganas, pero bien conocidos por sus transas, ineptitudes, chanchullos, tráfico de influencias y negocios familiares.

Yo prefiero eso que funcionarios novatos que sólo conocen en su casa y que no tienen pedigree, o sea, que van a robar por primera vez. Prefiero, digo, a los profesionales, a los que tienen experiencia y no van a ir dejando migajas tiradas por todos lados alborotando el chiquero. Ni qué decir del Congreso, plagado de personalidades de la farándula política que van a velar, primero que nada, por sus intereses y luego, si queda tiempo, dinero y ganas, por los intereses de la Nación, pues ¿que no son ellos la más alta expresión de la Nación?

CONSUELO DE PEN… DIENTES
El aumento al salario mínimo me reconforta, sin lugar a dudas, pues con ello podrá revertirse la debacle económica que nos lleva rápidamente a un hoyo negro y sin salida; el incremento a las partidas presupuestales para el combate al narco y al crimen organizado también me permite dormir más tranquilo, sabiendo que con ello y con el blindaje a las escuelas se impedirá que se venda en el interior lo que se ofrece cada vez más y mejor en el exterior, o sea, lo que hace falta son muros, escudos, corazas.

Lo bueno es eso, que haya claridad y altura de miras, que nos blindemos, que nos cubramos los ojos y los oídos, lo que sea por el bien de la Patria, que nos quedemos callados y que prendamos la tele para ver Soñando con un sueño, para demostrar que Borges tenía razón y que sí, que somos el sueño de alguien que nos sueña, aunque segurito que ese alguien está drogado y en un mal viaje.

RECUENTO DE DAÑOS
El recuento del año que se va como la mugre en el lavadero –parafraseando al maestro Briseño–, incluye cientos de declaraciones y hechos ocurridos en el país, como una catarata de evidencias de que ciertamente vivimos en un mundo maravilloso:

Los guías del rebaño (católico, no se crea que hablo de las Chivas), encabezados por el cura Nicolás Aguilar, acusados de pederastia; los guías del proceso electoral acusados de corrupción; los guías de transparentar cualquier cochinero acusados de obstrucción y defensa de intereses particulares; las autoridades responsables de atender y resolver, incapaces, irresponsables, amateurs y sin autoridad; los que legislan con cargo al erario acusados de hacer negocio amparados en el fuero; los que imparten justicia acusados de ser parte y de repartirse pasteles de todos tamaños; los abogados del pueblo abogando por los intereses de sus cuates; los maestros acusados de sedición; el nuevo gobierno compuesto de viejos funcionarios en todas las áreas pero en áreas que desconocen; los representantes de grupos guerrilleros clandestinos hablando del cambio social por la vía pacífica; los hombres de la libre empresa pagando campañas de racismo e intolerancia, provocando el miedo de los inversionistas; los medios pensando sólo en sus fines y trabajando arduamente para cerrarle el paso a otros medios; los funcionarios públicos capacitándose a medias para tratar de administrar mientras los administradores están tomando cursos de gestión; los intelectuales (los menos, por suerte) sobándole el lomo flaco y pulgoso al poder, mientras los artistas se meten a la grilla política con ganas de que las cosas cambien pero sin saber hacia dónde; la cultura y la educación, como primer escalón hacia el desarrollo, echados al fondo de la cobacha del presupuesto; las bibliotecas mini y mega, vacías de lectores y las calles, repletas de vendedores mientras el narco florece plagado de “nuevos capos”, uno más fregón que el anterior; y la leche para los más jodidos subiendo de precio… De antología.

El 2006 ha probado que todo puede ser peor si nos lo proponemos y si trabajamos en conjunto; el 2006 ha demostrado a México y al mundo que podemos tirar por la borda en menos de 15 minutos, años y décadas de conquistas sociales, laborales, legales y judiciales; el 2006 ha mostrado a nuestros hijos que el odio y la discriminación están ahí, listos para comernos vivos a todos; el 2006 ha señalado que los problemas ancestrales de pobreza, marginación, corrupción en todos los ámbitos y a todos los niveles son el pan nuestro de cada día; el 2006 ha dejado en claro que estamos en la mitad de la tabla de posiciones y vamos para abajo; el 2006 nos ha enseñado que la mentira, la transa, el robo y el fraude son el mejor negocio del mundo… el 2006 nos deja un sabor de boca más cercano a la cruda que al feliz estado de la embriaguez.

Lo bueno es que ya se acabó, segurito que en una semana todo cambia. Me consuela saber, como publicó la agencia AP recientemente, que los mexicanos somos de los menos estresados del planeta ante cualquier apuro, debe ser porque no leemos los periódicos como nos lo recomendó Fox, a quien comienzo a extrañar de a madres.

Se fue Pinochet, pero Echeverria sigue aqui... aunque caera

2006-12-19T11:25:00.000-08:00

DIARIO EL UNIVERSAL - El ex presidente Luis Echeverría Álvarez fraguó, propuso y tuvo dominio de ejecución de la matanza de estudiantes del 2 de octubre de 1968 en Tlatelolco, sin que para ello actuara en cumplimiento de un deber o la salvaguarda del Estado por alguna conjura nacional o internacional, concluyó el Poder Judicial Federal en el fallo que ordenó iniciar el proceso penal por presunto genocidio contra al ex mandatario.

En la resolución del expediente judicial 344/2006, que por primera vez en la historia moderna de México ordenó enjuiciar a un ex presidente e iniciar un proceso por genocidio en el país, se consideró que Echeverría Álvarez, en su calidad de secretario de Gobernación del gabinete del entonces presidente Gustavo Díaz Ordaz, planeó con éste y otros altos funcionaros destruir de manera total al "grupo nacional" que se formó con el movimiento estudiantil de 1968.

Contenido en un total de 920 fojas, el fallo emitido por el magistrado Ricardo Paredes Calderón, al que tuvo acceso EL UNIVERSAL, señala que no se puede invocar como justificación de la represión estudiantil 1968 "la necesidad de la salvaguarda del Estado en sí mismo, máxime que no hubo racionalidad ni proporcionalidad en la medida tomada".

La acción gubernamental no puede escudarse ni siquiera bajo la premisa de pretender "salvar al país" de una infiltración comunista ni de un derrocamiento del poder para convertirlo en un sistema político y económico diverso, pues no hay prueba alguna de que el 2 de octubre de 1968 los estudiantes pretendieran efectuar un "cuartelazo", asentó el impartidor de justicia.

Después del análisis de un total de 408 pruebas vertidas en declaraciones de testigos, víctimas y presuntos responsables, contenidos en videos, documentos, libros y periódicos, el Poder Judicial Federal valoró que se pudo evitar el derramamiento de sangre en 1968, pues siempre existieron otros medios practicables y menos lesivos, como el que pretendían los propios miembros del movimiento estudiantil, como lo era el "diálogo".

Para el magistrado Paredes Calderón, Echeverría Álvarez tuvo la opción de evitar la participación del Batallón Olimpia -"que dependía directamente de él"- y de agentes de la Dirección Federal de Seguridad el 2 de octubre de 1968 en Tlatelolco, con lo que se habría frustrado la acción buscada y se habría evitado el resultado dañino a la vida y la puesta el peligro del grupo nacional integrado por estudiantes.

La resolución judicial consideró también que los primeros en disparar durante el mitin estudiantil efectuado en la plaza de las Tres Culturas fueron miembros de estos cuerpos de seguridad -el Batallón Olimpia es calificado en el fallo como un grupo paramilitar e inconstitucional- al mando directo de Echeverría Álvarez. "Al no existir nadie que abriera el fuego en contra del Ejército, éste no habría repelido la acción", se asentó.

Los otros responsables del 68

En la configuración del cargo de presunto genocidio por el cual se acusa al ex presidente Echeverría Álvarez, el fallo del magistrado del Segundo Tribunal Unitario de la ciudad de México estableció que el ex mandatario actuó con la complacencia de su superior jerárquico, el entonces presidente Gustavo Díaz Ordaz.

De acuerdo con el magistrado Paredes Calderón, en el caso de Echeverría Álvarez, por su cargo de secretario de Gobernación, encargado de la política interior del país en ese momento y, con ello, de todo el entorno del movimiento estudiantil ocurrido en 1968, válidamente se puede inferir que siempre actuó con acuerdo del Presidente de la República.

De esta forma, Echeverría Álvarez es señalado como quien en compañía de Díaz Ordaz y los entonces secretario de la Defensa, Marcelino García Barragán; el jefe del Estado Mayor Presidencial, Luis Gutiérrez Oropeza; el director de la Federal de Seguridad, Fernando Gutiérrez Barrios, entre otros, fraguó el plan para "destruir totalmente" al movimiento estudiantil de 1968 que era coordinado y dirigido por el Consejo Nacional de Huelga (CNH), integrado por estudiantes y simpatizantes.

Todos ellos, según el fallo, prepararon la acción delictiva y en forma conjunta, y coordinada el 2 de octubre de 1968, aproximadamente a las 18:00 horas, en la plaza de las Tres Culturas, Tlatelolco, en donde se celebraba un mitin del movimiento estudiantil, ejercieron violencia y a través de armas de fuego, blancas (bayonetas) y de otro tipo, perpetraron delitos contra la vida de un número considerable e indeterminado de personas, que resultaron muertas o heridas entre los manifestantes.

Así, aseguró el impartidor de justicia, en la realización conjunta de los hechos de violencia ocurridos hace más de 36 años, cada uno de los funcionarios participantes "aporta una conducta que tiende a la consumación del resultado, y que lo logra cuando es sumada a las demás, de ahí que se afirme que en la hipótesis que nos ocupa, existe un codominio del hecho delictivo y del resultado logrado, por parte de todos los participantes".

Por lo anterior se llegó a la conclusión de que desde el plano de la concepción y preparación, el ex presidente Luis Echeverría Álvarez -según la resolución emitida- ejecutó la represión estudiantil con pleno codominio, dado que junto con otros pudo cómo, cuándo y dónde perpetrar la violencia.

El fallo destaca que válidamente se concluye que Echeverría concibió y propuso al presidente de la República la participación del Cuerpo de Guardias Presidenciales y del Batallón Olimpia a partir de la manifestación del 1 de agosto de 1968 y hasta el operativo especial del 2 de octubre.

Estudiantes, un "grupo nacional"

De acuerdo con la legislación penal de 1968, el delito de genocidio se comete cuando existe el propósito de destruir, total o parcialmente a uno o más grupos nacionales o de carácter étnico, racial o religioso, perpetrase, por cualquier medio, delitos contra la vida de miembros de aquellos, o impusiese la esterilización masiva con el fin de impedir la reproducción del grupo.

En este caso, los estudiantes integraron un grupo nacional por su afinidad ideológica contra cuyos integrantes hubo homicidios masivos el 2 de octubre de 1968, con el propósito de lograr su destrucción total. Es decir, se cometió genocidio en su contra por la comisión de homicidios múltiples y por el propósito de su destrucción total como grupo nacional, aunque ésta no se lograra.

Según el fallo, esa finalidad de destrucción total contra los estudiantes del movimiento del 68, se evidencia con los homicidios masivos y por el hecho de que aquellos que no fueron privados de la vida, fueron detenidos, torturados, procesados y sentenciados, mientras que los demás miembros y simpatizantes identificados o declarados, fueron exiliados o sujetos a constante vigilancia, hostigamiento, y persecución política por parte de los gobiernos posteriores.

El delito de genocidio no sólo incluye los actos de homicidio, sino también la persecución y el sometimiento de las víctimas a condiciones de vida impropias, indicó el impartidor de justicia, quien añadió que tal persecución evidencia aún más que se pretendía destruir totalmente al grupo nacional conformado por los estudiantes de 1968.

Incluso, se consideró que el plan gubernamental para terminar con el movimiento, no buscaba únicamente detener a los líderes del CNH, sino en exterminar al grupo nacional que integraron los universitarios y politécnicos, así como obreros, amas de casa y otros, concluyó el magistrado.

¿Todos en la marcha?

2006-12-19T07:54:00.000-08:00

El título de esta nota está truqueado, podría decir "todos a la marcha" pero es un hecho que la marcha es hoy, martes 19 de diciembre, a partir de las 3 de la tarde, y para cuando alguien llegue a leer esto habrá pasado. Incluso el motivo central de la movilización de la comunidad cultural, atajar de todas las formas posibles el recorte presupuestal a la educación y a la cultura, es casi un aborto, pues la Cámara de Diputados ha presentado una iniciativa para llevar a más de 10,000 millones de pesos (poco menos de 1,000 millones de dólares) el presupuesto a este sector, es decir, del recorte de 2,000 millones, para dejarlo en poco más de 3,000, pasa a poco más de 10,000, o lo que es lo mismo, el billete para cultura se duplicaría gracias a la generosidad de los diputados entrantres.

Menudo fondo para jugar a la cultura tendrá Sergio Vela y su equipo de reciclados (no se entienda por este calificativo algo malo, sino sólo lo que dice a la letra, reutilizados, reaprovechados). Leo hoy mismo que Alvaro Hegewish queda al frente de vinculación Cultural, y enhorabuena, pues es el único que del CNCA conoce el teje y maneje de los Centros de las Artes en los estados. Tantos años dándole al proyecto de "descentrar" la cultura y los modelos de centros artísticos para que otro quedara al frente, al menos ahora podrá haber continuidad sin contrartiempos.

¿Y ahora qué van a hacer con tanta lana? Ojalá la inviertan, es decir, la usen para sentar bases, no sólo para levantar edificios que se quedarán vacíos...

Oaxaca extraoficial en el Pasaguero

2006-12-18T14:42:00.000-08:00

Con la participación de 17 artistas radicados en Oaxaca, se inauguró la exhibición de fotografía, cerámica, instalación, graffiti, pintura y video, en el bar-galería de Ricardo Pandal ubicado en Motolinía 33, en pleno corazón del Centro Histórico

Solía suceder que la invocación de lo oaxaqueño para el montaje de una muestra, en términos artísticos, trajera consigo malos resultados: mucho espíritu y buena vibra pero baja calidad; quizá por ello es más que gratificante la exposición Oaxaca extraoficial, una muestra contundente de que buena parte de la comunidad artística que radica en Oaxaca se ha liberado de la “oficialidad”, el acomodo, o como se le llegó a llamar, “la milanesa” (por la tendencia casi obsesiva de sus pintores a utilizar arenas y texturas coloridas), para sentar la base de un movimiento cultural con múltiples expresiones que crece y se multiplica.

Pero no sólo la muestra es una revelación y un logro en términos de curaduría, museografía y logística (pues se dio un arreglo para que la mayoría de los artistas se quedaran en el Hotel Virreyes, centro operativo de la Fundación del Centro Histórico), sino en la consolidación de un espacio como el Pasagüero, cuya ubicación y ambientación propician el goce de las piezas. Muchos intentos se han hecho para implantar el modelo de bar-galería, pero es la primera vez que funciona tan bien, amplios espacios, techos altos, una entrada de 20 metros, un lounge al fondo del lugar, ventilación y frescura suficientes, una plataforma de exposición concentrada en facilitar la vida a los visitantes.

Compuesta por una veintena de piezas y curada y museografiada por Guillermo Roel, la muestra ofrece los trabajos de Alberto Ibáñez, Antonio Turok y Alejandro Echeverría (fotografía), Adán Paredes (cerámica), Yolanda Gutiérrez (instalación), Ana Santos (graffiti), Guillermo Roel (pintura y video), Demián Flores, Fernando Aceves, Guillermo Olguín, Jonathan Barbieri, Juan Graf, María Rosa Astorga, Mauricio Cervantes, Pablo Luzardo y Raúl Herrera (pintura).

Parte de este conjunto de artistas puede verse como un núcleo que ha venido trabajando en paralelo al desarrollo de un movimiento cívico de resistencia y propuestas que tiene varios años en acción, y que se ha apoyado –y a su vez ha sido soporte– en la red cultural creada y sostenida por Francisco Toledo, es decir, este grupo diverso y variado, con intereses distintos y un aprecio mayúsculo por todas las artes y las culturas de todo el mundo y en especial de Oaxaca, es como un imán que durante los últimos 10 años ha consolidado la infraestructura creada a partir de la fundación del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), a la que se han sumado el Museo de Arte Contemporáneo, el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, el Cineclub El Pochote, el Taller de Papel y el recientemente inaugurado Centro de las Artes de San Agustín Etla.
Podría parecer menor el esfuerzo si se toma en cuenta la infraestructura instalada en la Ciudad de México, Guadalajara o Xalapa, por mencionar tres ejemplos, pero no lo es si se recuerda que ha sido creada y financiada casi exclusivamente por un artista y la red de colaboradores que lo ha acompañado en estos años.

Por todo esto la exposición cobra una dimensión mayor, porque es una excelente muestra de trabajos, porque este grupo de artistas se conoce muy bien a sí mismo, porque comulgan en el interés mayor de impulsar desde Oaxaca una liberación de las modas comerciales y los clichés que tanto dañaron a los artistas oaxaqueños, porque operan como una red cívica que lo mismo festeja que hace tequio, porque son una comunidad que empuja para que se implante una verdadera institucionalidad en ese rincón de México que se parece tanto a otros rincones, con los mismos atrasos y las mismas reticencias a evolucionar y dejar atrás los cacicazgos, lo mismo en la política que en la cultura.

“El hecho de que en plena convulsión social de la entidad oaxaqueña se presente esta muestra –escribe Fernado Gálvez de Aguinaga en el texto de sala y catálogo–, nos hace ver que también el ámbito intelectual y artístico está proponiendo nuevas formas de expresión ante una realidad cambiante y que de golpe se ve insertada dentro de la globalidad depredadora… Vaya pues esta reunión de diferentes estilos y propuestas, como un grito refrescante de una sociedad oaxaqueña, que también en materia de arte, está viviendo una gradual revolución. El título y subtítulo de un libro en torno a la escena cultural oaxaqueña que publicara la historiadora de arte Selma Holo bajo el sello del Smithsonian define esta situación con certeza de aforismo: Oaxaca ante el cruce de caminos; manejando la memoria, negociando el cambio”.

El arte en Oaxaca, hace 4 años

2006-12-18T13:23:00.001-08:00

Oaxaca.- Con la crisis mundial llega la caída en el comercio global del arte. El crack se da también por el fenómeno especulativo de las últimas décadas que infla los costos sin respetar la diferencia entre precio y valor, y sienta la base de su actual debacle. En esta cadena que se ha dislocado, los galeristas han tenido que comenzar a trabajar en profesionalizar sus actividades y operaciones de forma urgente ante la situación de contracción que amenaza con volverse parálisis o, incluso, desaparición.

El fenómeno golpeó en forma distinta pero con igual contundencia a las ciudades de México, Guadalajara, Monterrey, Puebla o Oaxaca, donde las galerías estaban acostumbradas hasta hace unos muy pocos años a ver pasar enormes cantidades de dinero a través de una forma de venta de obra, sin pasar necesariamente por una profesionalización del mercado.

Galerías y cliché

En Oaxaca se declara un romance entre el comprador (sea el cliente final o un intermediario) y el artista, y los galeros pasan a ser para muchos de estos protagonistas sólo un mal necesario. El abandono de la voluntad es una forma de cooptación y los artistas parecen vivir contra la pared, teniendo que mantenerse para vivir, y al mismo tiempo seguir produciendo sus obras particulares.

“El problema sigue siendo la crítica, hay muy pocas opiniones valiosas en medio de un páramo de repetición y mediocridad”, dice Jonathan Barbieri, pintor nacido en Washington, quien desde hace casi 20 años vive en Oaxaca y en sus alrededores. El cliente pide arena, textura, animales fantásticos, mucha mitología y mucho color, y el artista trata de crear una obra a partir de estas solicitudes. Las soluciones se reducen, se estancan. A fuerza de repetir tantas veces una mentira hay artistas, galeristas y críticos que han comenzado a creerla.

El fenómeno comercial creció con un error de origen: sin crítica, la orientación del mercado se da empíricamente y en forma improvisada, sin conocimiento ni educación en el arte. Se crean, como en los mercados financieros actuales, burbujas especulativas, y se infla a artistas que todavía no han madurado, y luego se les mantiene como garantía de estabilidad de precios. El costo final es la caída, la frustración o el acomodo, o en el mejor de los casos, el éxito comercial basado en la experiencia, conocimiento, educación y talento suficiente para mantenerse como una alternativa.

Mientras el mercado creció con el boom cultural en el sexenio de Salinas para mantenerse, aunque a la baja, en el de Zedillo, la crítica especializada, los curadores y los museógrafos, las direcciones de los museos y las galerías dejaron de mirar a Oaxaca porque concluyeron que, salvo unos cuantos, no existen muchos artistas de gran valor, sino una maquinaria montada entre muchos participantes para perpetuar la vendimia. Muy pocos se salvan.

Quetzalli, punto de partida

Ante la inercia comercial que acaba por agotarse con la crisis del año pasado y la que crece en el presente, nacen espacios con visiones alternativas, donde se ha comenzado a proponer contrapesos y equilibrios al mostrar a otros artistas alejados del cliché oaxaqueño, o en él, pero en su propia dimensión; nace en la calle de Murguía La Bodega Quetzalli en el año 2000, y se inaugura con obra del artista estadunidense James Brown, luego surgen Punto y Línea (casi frente al ex-convento de Santo Domingo), con Leonel Hernández al frente, con una muestra de Sergio Hernández para dar lucimiento a su apertura, aunque ya en la segunda exposición se muestran obras del joven Luis Hampshire. Por su parte, el impresor Manuel García inaugura en los portales su propia galería, con La Pierde Almas, exposición dedicada a la vida en las cantinas de Oaxaca, de Jonathan Barbieri.

El clásico corredor cultural comienza a abrirse a nuevas expresiones y calidades. Muchos oaxaqueños comienzan a marcar diferencias y a volar por su cuenta, no sólo en la pintura, también sucede en la literatura y en la fotografía, en la música, los medios electrónicos, el video, la instalación, la escultura y el performance.

“En el momento en que concluimos que el mercado se ha contraído casi por completo decidimos tomar acciones concretas para enfrentar esta crisis”, dice Graciela Cervantes, directora general y una de las dos propietarias, junto con Claudina López, de la Galería Quetzalli. “Primero, refrendar nuestra fe en lo que hacemos y en lo que hemos hecho durante tantos años. Una amplia recapitulación nos ha llevado a claves para mejorar nuestro negocio, sobre el cómo podemos comenzar a sacar de Oaxaca la obra de nuestros artistas y con ello traer nuevos y mejores clientes en un intento por forzar al mercado a invertir con nosotras. Nuestra filosofía es mejorar al 100 por ciento en el servicio, para dar la imagen que corresponde con nuestra filosofía, es decir, el ser una galería seria y profesional.”

Santo Domingo, imán cultural en Oaxaca.

Para ambas, pioneras del mercado del arte en Oaxaca, el precio es una consecuencia de las acciones del artista y el galerista, que van consolidando la obra y permiten que el precio suba proporcionalmente. “Lo que no podemos hacer es alterar los precios con que hemos manejado esas obras, pues tenemos compromisos y responsabilidad ante nuestros coleccionistas y clientes, es decir, una actitud seria y profesional debe llevarte a refrendar el valor de las obras de tus artistas, para sostener los precios que ofreces al público. Bajar los precios sería destruir la labor de todos.”

El oportunismo de los cajueleros

La comercialización del arte en Oaxaca, sin embargo, no se limita exclusivamente a las galerías, también los cafés tienen obra colgada, al igual que los hoteles, los centros nocturnos o el aeropuerto. Han diversificado sus intereses y se han vuelto tiendas de arte en serie, aparte de la proliferación de los llamados cajueleros, intermediarios que llevan a compradores interesados a los estudios y ahí cierran las ventas, interceptando a coleccionistas y galeristas y llevándolos directamente con los artistas, siempre urgidos de liquidez para adquirir materiales y herramientas.

“Esto es lo que ha dañado tremendamente al mercado —agrega Graciela Cervantes—, porque son personas que no tienen compromiso ni con los artistas ni con los clientes ni mucho menos con las galerías pues usan nuestros catálogos para vender, y cuando no lo logran cambian de artista como de zapatos. No tienen compromiso ni responsabilidad alguna con nadie y ante una demanda limitada suben y bajan los precios sin ningún temor de dañar.”

Otro fenómeno que prolifera es el de las boutiques de arte y artesanía como puede verse claramente reflejado en espacios como La Mano Mágica (frente al MACO); otra es la galería de Arte Mexicano, frente a Santo Domingo, o la galería Tiburcio Ortiz, y otras donde ya no se limitan a la producción exclusivamente oaxaqueña y ofrecen souvenirs de todo el mundo, sobre todo de Indonesia y Tailandia.

Es como una aceptación de que los autores que manejan son productores de artesanía cara, con fórmulas que se repiten sin una propuesta original. En este contexto, en definitiva, no ha habido en todo el país un fenómeno tan fuerte de comercio generado a partir del arte, sobre todo de la pintura, como éste.

De la imprenta a la galería

Para Manuel García, impresor nacido en Oaxaca, dueño de Productos Gráficos El Castor y propietario de la galería con el mismo nombre, “la principal apuesta es vincularnos con los jóvenes, pues creemos que son nuestros compradores a futuro, además de trabajar con claridad en establecer relaciones a largo plazo con nuestros clientes, es decir, no somos simplemente una galería que vende cuadros, sino una opción que vincula al cliente con el artista que le interesa, y cuando digo vincular es, precisamente, sentar la base de una relación entre ambos a través de la galería, y de concretar esta relación alrededor del triángulo que nos da soporte: la galería, la imprenta y la casa editorial, que le da difusión a todos”.

Inaugurada en diciembre del año 2001 con La Pierde Almas, del pintor Jonathan Barbieri (Washington, 1955), la galería apenas comienza en sus operaciones y está en proceso de lograr varios objetivos. Para su dueño, una de las principales deficiencias del mercado del arte en Oaxaca es la masividad que llegó a tener, por lo cual la estrategia de su espacio está centrada en cerrar acuerdos con muy pocos artistas, “sólo cinco o seis”, y aplicarles una atención personalizada de promoción y difusión, de tal suerte que “no perdamos el control en el servicio que le damos a todos los involucrados con la galería”. Éste es el caso de Luis Zárate, exclusivo de la galería, y con quien Manuel tiene una relación amistosa desde hace muchos años, siendo él y su hermano los principales coleccionistas del pintor.

En el 2000 nacieron galerías independientes como Quetzalli.

Paradójicamente a esta situación de mercado global en una economía de mercado local, Oaxaca vive una efervescencia cultural renovada, que ha dejado a muchos de los artistas establecidos en un cierto desamparo, pues los compradores hoy son mucho más selectivos y los galeristas han tenido que volver a las raíces de su labor: promover, orientar y llevar de la mano a sus clientes hacia los creadores que realmente están creciendo, es decir, aquellos que no se deslumbran fácilmente por el mercado y han sabido mantenerlo a distancia, con todas sus tentaciones o aparentes privaciones.

El trabajo de los críticos es fundamental en esta empresa, y los galeristas vuelven a ellos permanentemente, conscientes de que son los críticos y curadores quienes llevan buena parte de la responsabilidad de dar al fenómeno comercial un cauce correcto: creación-producto-crítica-medios-mercado. En esta línea, las galerías en Oaxaca se cuentan con una mano. El resto son más bien boutiques de arte y parecen continuar la línea marcada por la marea comercial.

Por su parte, la mayoría de los artistas que no se han visto favorecidos aún por los mercados y buscan galerista o dealer a diestra y a siniestra, apenas se percatan que su distancia de esta experiencia de 15 años les ha permitido asimilar y consolidar mejor sus procesos de creación, y han puesto distancia clara entre el valor de su producción y el precio al cual están sujetos en el mercado global, y hoy trabajan con mucha más libertad.

Pintores empresarios

Un fenómeno más que repercute en toda la cadena es el hecho de que varios pintores, ante el boom que tuvieron sus obras, han decidido abrir sus propias galerías o ser sus propios representantes, y “dejar de pagar” lo correspondiente a sus galeristas tradicionales. Es así como conocen de primera mano los problemas y desventajas del galerista. Al cabo de un par de años de intentarlo reconocen que el galerista lleva gran parte de la carga del mercado, pues es quien contribuye al lanzamiento y mantenimiento del artista, lo apoya, lo promueve y lleva junto con él la administración de su desarrollo, a la par que administra el crecimiento de su negocio, trabajo nada sencillo y sobre todo nada barato, como puntualiza Claudina López, codirectora de Quetzalli:

“Cuando hablamos de una galería como negocio casi todos olvidan o dejan de ver que se tienen gastos fijos altísimos y que el porcentaje de ganancia debe ser proporcional a ese gasto o inversión como en cualquier otro negocio. Por eso hoy tratamos de hacer mucho más evidente el valor de nuestro trabajo, ganando nuevos espacios de exposición en todo el país y en algunas plazas del extranjero, y ganando valor para los artistas que están con nosotras”.

El mercado, aquejado por los clichés.

La peor crisis para un pintor metido a galerista es descubrir que ahora gana menos que antes, pues debe pagar nóminas, administración, contabilidad, mantenimiento, servicios, relaciones públicas y otros gastos fijos (sin contar con los eventuales), pero con un punto más en contra, ha dejado de pintar para dedicarse a su galería, o a su negocio, como le sucede al joven y talentoso pintor Guillermo Olguín (1969), propietario del club El Central y quien vive la crisis del artista que no duerme, porque trabaja su centro nocturno en la noche y madrugada, y trata en el día de pintar. “Una vez en esto no hay salida, tienes que seguir y seguir, y el problema central es la mala comunicación con la galería, los malos entendidos, cuando en realidad todos tenemos los mismos objetivos, crecer y vivir de lo que hacemos, juntos”. Al final, el costo para todos parece ser mucho mayor.

Arte y tecnologia, una decada de fusion

2006-12-18T13:20:00.001-08:00

En una entrevista con Peter Greenaway, el cineasta, arquitecto y pintor nos decía que el multimedia y la multidisciplina eran para los artistas actuales como un ejercicio del retorno, como “volver a casa”, pues se recuperaba la condición olvidada que habíamos vivido en el Renacimiento, con la diversidad de habilidades y técnicas. En este orden de ideas, alrededor de 30 personas se sumerjen todos los días entre microcircuitos, sensores y dispositivos diversos –con un presupuesto que sorprende por su austeridad– dentro de los siete talleres del Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes (Cenart): Gráfica Digital, Audio Digital, Investigación, Interfases Electrónicas (que incluye robótica), Sistemas Interactivos, Imágenes en Movimiento y Realidad Virtual (www.cnca.gob.mx/cmm/ ).

Lo que se ha logrado con tan poco es síntoma de que las T(ecnologías de la) I(información) han generado una democratización de las herramientas, gracias a lo cual infinidad de artistas han sido apoyados, ahorrándose millones de pesos en servicios, asesoría y respaldo técnico. La discrecionalidad no ha estado lejos en muchas ocasiones, producto, como se ha dicho hasta el cansancio, de la falta de marco jurídico del Conaculta. Sólo el tema de ‘servicio profesional de carrera’, que incluye experiencia sobrada y comprobada en el campo al cual se aspira a conducir o dirigir, es una espina en el zapato de la actual administración cultural. El caso Dolores Creel ha movido el tablero —o debíeramos decir, la tablita— de los intereses de amigochos y amigochas en el aparato cultural, y no sería extraño que se den o se intenten dar cambios a discreción en la dirección de este centro y/o de otros. Este centro nació en noviembre de 1994, con la inauguración del Cenart, y desde entonces el trabajo ha estado marcado por el vértigo y la adrenalina, la satisfacción y la decepción, la paciencia y la desesperación que ha llegado sobre todo por las indefiniciones en términos contractuales. Del equipo humano original quedan Alejandra Gilling, actual directora, Tania Aedo, subdirectora académica y Humberto Jardón, a cargo del Taller de Gráfica Digital, pero son muchos los que llevan 5, 6 y hasta 8 años en combate.

Humberto Jardón, la experiencia como escuela

“En Multimedia o creces o truenas –señala Jardón–, aquí la gente se ha formado con los manuales, los cursos vinieron después, porque antes nunca había existido un centro así. Tan sólo el Taller de Gráfica Digital ha apoyado unos 200 proyectos. Yo defiendo este centro a capa y espada porque me tardé 20 años en encontrar el lugar donde quería estar. El mismo trabajo tan extenuante a veces ha logrado algo que hoy aquilatamos, el trabajo en equipo, la solidaridad y el compañerismo. Lo que nos falta es hacernos fuertes a través de la comunidad artística. Hay quien dice que el nombre multimedia ya le queda chico a lo que se está haciendo en estos tiempos, yo prefiero el término que utiliza el Consejo de la Investigación Nacional en Estados Unidos, que es Prácticas Creativas con Tecnologías de la Información. Lo cierto es que los géneros se han abierto a la Física del Espacio, a la Microbiología o la Astrofísica, es decir, todo esto es susceptible de convertirse en una obra de arte gracias a las Tecnologías de la Información”.

Para este artista pionero en la gráfica digital, el asunto de la difusión sigue siendo un reto a vencer, pues prácticamente fuera de ciertos círculos poca gente conoce el centro y sus proyectos. “Un punto más a destacar es el dinero que se han ahorrado los artistas al venir aquí; sólo como un ejemplo, por cada 50 megas que te escanean en un centro privado te pueden cobrar unos 500 pesos, imagínate lo que se ha invertido en ese sentido para apoyar a los artistas, donde se ha escaneado y retocado miles y miles de imágenes, sin contar las impresiones”.

Gilling: Kalispherion 2004 y Ricardo III

“La importancia del centro –señala Alejandra Gilling, su directora– tiene que ver no sólo con la capacitación y apoyo sino con la formación de artistas en el uso de estas nuevas tecnologías y en términos conceptuales”. Sobre los retos a enfrentar apunta que “el centro debe posicionarse como un espacio de excelencia en las áreas que ya dominamos, pero sobre todo en lo que respecta a la investigación, porque en México carecemos de especialistas. Lo más importante es que se ha logrado como nunca antes la interdisciplina, es decir, ahora los proyectos que se aprueban año con año son el resultado de trabajos colectivos, hemos dejado atrás los proyectos por departamento o por disciplina única. Queda claro que todos los que trabajan aquí lo hacen por amor al arte, no por los sueldos”.

De los proyectos en puerta menciona dos, el concierto escénico aéreo de música experimental y contemporánea Kalispherion, a realizarse los días 3 y 4 de abril (sábado a las 22:00 horas y domingo a las 21:00 horas) en la Escuela Nacional de Arte Teatral del Cenart, y para noviembre Ricardo III, espectáculo que servirá para celebrar los 10 años del mismo, en el que participarán todos los talleres de Multimedia con base en una ópera creada ex-profeso por el compositor Marcelo Gaete, jefe del Taller de Audio y también director artístico y uno de los motores del Kalispherion, junto con Minerva Hernández, productora general y directora visual, y Andrea Peláez, coreógrafa (y directora de la compañía Cirko de Mente), mismos que participaron en la fiesta ‘Noche de Primavera’ en el Zócalo capitalino el 20 de marzo pasado, ante cerca de 150,000 personas, con el espectáculo Simetría del Tiempo.

Tania Aedo, investigación como punta de lanza

Subdirectora Académica y artista visual ampliamente reconocida, Tania Aedo resume su experiencia de diez años: “El centro tiene tres funciones principales: apoyar proyectos a través de la convocatoria de residencias; generar proyectos de investigación y experimentación; y de formación; el complemento de las tres está dando resultados cada vez más abundantes con la creación de piezas, conciertos, exposiciones, instalaciones sonoras, por mencionar algunas. Un punto a destacar en estos diez años es la conciencia de que la tecnología es muy importante, pero lo crucial es el conocimiento adquirido y generado por el grupo para la solución de los problemas concretos de los artistas, es decir, en este centro se han formado campos de conocimiento que no existían, luego se ha trabajado en la consolidación y ahora estamos viendo los resultados. Son pocos los artistas que hoy no utilizan medios electrónicos”.

Participante también en el espectáculo Kalispherion, Aedo ubica en estos tiempos nuevas discusiones para demostrar la importancia de los artistas, los creadores y los científicos en la construcción de nuevas visiones del mundo: “Uno de los retos que tenemos por delante es la relación con otros centros de experimentación de todo el mundo donde es muy común que estén en entornos académicos y que el universo científico se relacione con mayor consistencia con el artístico. Es fundamental que los científicos mexicanos vean los beneficios de relacionarse con los artistas y abrir el trabajo de investigación a otros entornos académicos, pues si aquí ha funcionado la mezcla es evidente que tendría mucha mayor fuerza cuando logremos la fusión con la ciencia. Veo este centro y otros parecidos como campos de cultivo donde las ideas más importantes están en juego, y pienso que no podemos dejar de lado que los otros especialistas que deben involucrarse con mayor fuerza son los filósofos, como soportes teóricos de lo que se está discutiendo”.

Edward James y su escalera anaranjada

2006-12-18T13:19:00.003-08:00

Lo más asombroso no es la historia de su mecenazgo del surrealismo, ni su patrocinio a Dalí, Magritte, Dylan Thomas, Stravinsky, Breton, Brecht o Kurt Weil, por mencionar sólo algunas de las personalidades que gozaron con su conocimiento, su delirio por el arte y su locura por no ser jamás un hombre como los demás; lo más impresionante no es su alucinante colección de cuadros de Picasso o el hecho de ser nieto por parte de su madre del rey Eduardo VII y de un multimillonario norteamericano por el paterno, ni su fortuna exorbitante o el hecho de que los custodios de su riqueza tuvieran que quitarle, literalmente, gran parte del poder sobre sus decisiones financieras antes de que lo dilapidara todo; no, lo realmente revelador de una naturaleza humana sobrenatural fue, es, el complejo de edificaciones que levantó en medio de la selva, en la Huasteca potosina, en Xilitla, a partir de 1949 y hasta el día de su muerte, en 1984.

En La escalera anaranjada, Jaime Moreno Villarreal traza una línea de flotación para aproximarnos al Edward James menos conocido dentro de la historia interminable del surrealismo en México, el que patrocinó en los años treinta a la mítica revista Minotaure y en los sesenta a la revista S.Nob, dirigida por Salvador Elizondo, en la que publicó la crónica “Cuando cumplí cincuenta años” (1962), donde relata su experiencia fallida –por no decir pesadillezca– al ingerir hongos alucinantes en el Hotel Majestic, en el centro de la Ciudad de México.

Moreno Villarreal se confirma como un escritor híbrido y dotado para el ensayo poético y el relato de viaje. Como lo calificó Fernando Gálvez durante la presentación del libro en el IAGO, en Oaxaca, Jaime Moreno nos entrega un libro que cae parado en cualquier zona de una buena biblioteca, pues lo que escribe se deja leer con igual fortuna como poesía, como relato, como ensayo o crónica de viaje, como biografía o diario de batalla.

Edward James llega a México en 1944 –se puede leer en estas páginas–, se establece brevemente en la ciudad de Cuernavaca pero su espíritu viajero lo lleva a recorrer todo México. En uno de sus viajes, James llega a Xilitla y queda deslumbrado por el paisaje y la exuberancia. Al bañarse un día en una de las pozas naturales del lugar, una cortina de mariposas se suspende ante sus ojos, y James siente que ‘es una revelación’. Decide construir allí su propio paraíso fantástico, donde las frondas y copas de los árboles servirán como pantalla de cine, y donde las escaleras tienen la osadía de llevar a ninguna parte. Pero no construye una, ni dos ni tres casas, sino que su imaginación y sus recursos, sin mencionar ya su locura creativa, lo llevan a levantar 36 edificios distintos y, cosa curiosa, a abandonarlos uno tras otro para cederlos a los animales, con quienes cultiva relaciones mágicas, de amistad y respeto.

Para la edición, que fue ilustrada con diez obras del maestro Rodolfo Zanabria –y en la que participó intensamente el poeta Ernesto Lumbreras, editor de Aldus–, se agregaron como otros escalones de lectura algunos pasajes, testimonios y anécdotas de los amigos cercanos de James, a propósito de su locura o del sitio mágico de Xilitla.
Nada mejor para ilustrarnos sobre este personaje de antología y sobre su espacio arquitectónico-escultórico-botánico:

“Una larga avenida, bordeada de árboles frutales, conducía a la Casa de las Fieras. De vez en cuando, caía al suelo un pesado fruto. ¡Ploc!” (Leonora Carrington).

“…el sueño dominante en la vida de Eduardo desde su más temprana memoria –el sueño de una secreta ciudad amurallada a la cual puede mágicamente escapar” (Philip Purser).

“De vez en cuando, yo almorzaba con Dalí en la Rotisserie Périgourdine, en la plaza Saint-Michel. Un día me hizo partícipe de una proposición harto curiosa. –Quiero presentarte a un inglés riquísimo, muy amigo de la República española, que desearía ofrecerte un bombardero”. (Luis Buñuel)

“La escalera se ramifica indefinidamente. Conduce a una puerta de haces de heno, se abre de pronto sobre una plaza pública. Hecha de dorsos de cisnes una ala abierta para el pasamano. Gira sobre sí misma como si fuera a morderse”. (André Breton)

La escalera anaranjada levanta los ánimos de quien la lee porque se muestra como una imagen clara y nítida de un Xilitla que es todo México, de James y del propio Moreno Villarreal, fascinados con las historias dentro de la historias, movidos por la fantasía que habita entre los árboles de un país que no conocemos y que nos rodea todos los días. La prosa de Jaime se une al deseo de saber más, de ver más, de conocer más sobre este ‘Minotauro en su laberinto’ fantástico que dejó en pocas palabras un rasgo de su personalidad: “Y los fantasmas de los pájaros que he amado, me acompañarán, cada uno un amigo; como ellos habré alzado el vuelo más allá del reino de las palabras”.

Arte y tecnologia: la liga "trans"

2006-12-18T13:19:00.001-08:00

Trans quiere decir ‘en la otra orilla’, o ‘del otro lado’. Esta es la zona de exploración que recorreremos, lo mismo en lo relacionado con el multimedia, el arte electrónico o la transdisciplina escénica y el nuevo circo

Lo trans nos lleva directamente a la práctica de la transfusión, del trabajo colectivo que involucra el intercambio de datos, técnicas, conocimientos y experiencia. Rescato algunos conceptos vertidos por Angel Kalenberg —Director del Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo y Comisario de Exposiciones para la Feria ARCO en el 2003—, para presentar a curadores y teóricos el tema de las Nuevas Tecnologías y Nuevas Formas de Arte:

“Hoy por hoy, la historia y la teoría de arte, en irrefrenable expansión, incorporan nuevos términos, entre los cuales son frecuentes los neologismos: ciberarte, realidad virtual, telemática, interfaz, telepistemología, tyebrowser art, software art, arte auto-generativo, tiempo real, soundtoys, vida artificial, arte fractal, robótica (heredera del viejo Golem), knowbots, nanotecnología, flashers, hacker art, cracker y freacker, net.art, web.art, redes rizomáticas, holomáticos, hipercortex, espacios entrópicos, arquitectura de la cibercepción, web mapping, hipermedia, netmagazines, distopías, computopías y compucronías posmodernas, cyborgs (híbridos y dinámicos), sistemas bióticos, transgénicos, posbiología, etc.”

Lo más destacable, según Kalenberg, no es la cantidad y variedad de términos, sino el hecho de que nacen de una necesidad real, la de nombrar lo que se hace en el arte a partir de la utilización de nuevas herramientas para construir —presumiblemente— nuevos discursos, situando el problema sobre algunas preguntas no resueltas: ¿Quién será el creador en el futuro? ¿Las máquinas disponen de un poder dialógico? ¿Acaso podemos hipotetizar que la máquina llegue a ser algo distinto a un mero artefacto? ¿Seguirá habiendo un creador único para el arte de orden numérico y telemático, con vocación interactiva? ¿Cuáles son los nuevos criterios de apreciación? Y aún más. La problemática del mundo del ciberarte influye no sólo sobre los problemas teóricos y sobre la práctica cotidiana de la creación artística, sino también sobre la concepción de los espacios museográficos, de los modos de coleccionar y conservar las obras, de las formas de difundir, promover y promocionar, incluso debemos decirlo, en las formas de administrar la cultura. ¿Qué tipos de museos requieren las nuevas formas de arte? ¿Requieren museos? Por si esto fuera poco, la complejidad aumenta cuando los artistas comienzan a experimentar ‘en la otra orilla’, cuando brincan los muros de sus especialidades y se internan en el juego de la transfusión, para dejar la unidisciplina y enriquecer su conocimiento con el de otros, el placer de estar y trabajar con otros, como si de una comuna se tratara. Trueques, intercambios, cambalaches, son las palabras que definen a las generaciones actuales.

EL CENTRO MULTIMEDIA Y LOS RETOS PENDIENTES

Después de un proceso inédito en cuanto a la selección de funcionarios dentro del aparato cultural, Tania Aedo fue designada como directora del Centro Multimedia del Cenart (CMM), artista con amplio reconocimiento dentro y fuera de su espacio de trabajo, y con una disposición natural a la horizontalidad en cuanto a la operación de un centro de investigación, experimentación y producción.

El ciclo de 10 años (que se cumple en noviembre próximo) se renueva con una generación de artistas transdisciplinarios que apenas se dan cuenta de su gran poder dentro de la administración cultural actual, dueños de un conocimiento invaluable que los ubica en una posición envidiable para negociar —dentro de este proceso de reestructuración general— una nueva situación contractual y la institucionalización de manuales operativos y calendarios de trabajo, con base en planes anuales y a más largo plazo que no puedan ser redefinidos discrecionalmente, es decir, este centro de alta tecnología tiene la posibilidad de practicar (si los dejan, como dice la canción) una cirugía mayor, estableciendo reglas claras de operación y estatutos que impidan la discrecionalidad y la imposición.

Toca a sus investigadores y artistas, junto con sus nuevos funcionarios —en este caso, funcionarias— poner un alto, todos juntos, a la inseguridad laboral (como en su momento lo tendrán que hacer todos los eventuales que trabajan para el INBA, el Conaculta, el Cenart o el INAH). Y si no, ¿cómo se van a distribuir los 14 millones de pesos del presupuesto anual de la extinta UPX? ¿No sería lógico ordenar la situación jurídico-laboral-contractual de una treintena de personas que se han formado y especializado en los útlimos diez años, y resguardar que todo ese conocimiento colectivo no se vaya a ir a otro lado por falta de seguridad?

¿De que viven los poetas en Mexico?

2006-12-18T13:17:00.001-08:00

David Huerta:
1. Los poetas viven –los que no son rentistas o herederos– de alguna de las siguientes actividades (o bien, combinando dos o más) aun cuando no puedo ponerlas en orden: son maestros, talacheros de la industria editorial (redactores de solapas, dictaminadores), periodistas de todos los géneros, publicistas. Desde luego, una diminuta minoría de los poetas disfruta de becas, y en buena hora. Hay una porción que me resulta de veras intrigante: la de los poetas que no sólo viven, sino que viven muy bien, de ganar premios; cómo lo hacen, lo ignoro, pero se ganan dos, tres o más premios cada año, algunos soberbiamente dotados. En buena hora. Estos últimos son quizás los únicos que de verdad viven de sus versitos; aparte de ellos, los demás vivimos al día, pero eso sí… honorablemente.

2. La poesía sirve en estos tiempos para aclarar la percepción, afinar las ideas, enriquecer los vocabularios, ensanchar la inteligencia. Mallarmé decía que los poetas eran los encargados de darle un sentido más puro a las palabras de la tribu; estoy de acuerdo. La poesía, por otro lado, no sirve para nada, en términos estrictamente económicos o mercadológicos. Es una actividad medio gratuita, que se hace por gusto, por vocación o por placer hedonista. Sirve para defenderse de la estupidez ambiente. Sirve para acercarnos a las cosas y los fenómenos por deseo y alejarnos de lo que nos disgusta con repugnancia, como decía, más o menos, el Lince de Trocadero, José Lezama Lima.

Jorge Esquinca:
1. Vivo de mi salario como coordinador de actividades culturales de la Librería José Luis Martínez del Fondo de Cultura Económica en Guadalajara. Acabo de obtener una beca del Sistema Nacional de Creadores. También ayudan los artículos, reseñas y traducciones que algunas publicaciones encargan y pagan.

2. La poesía no “sirve”, ella –lo dice Franc Ducros– es soberana.

Elsa Cross:
1. Los poetas viven por lo general de algo que no es la poesía. Aunque he tenido la suerte de obtener varias becas, éstas son transitorias, y mi fuente regular de ingresos es la docencia, que puede llegar a ser muy absorbente y confinar a la poesía sólo a las vacaciones o los fines de semana. No entiendo por qué el Sistema Nacional de Creadores no se ha convertido en algo permanente, como el Sistema Nacional de Investigadores, que se renueve mientras que cada artista cumpla con sus proyectos.

2. La poesía sirve para que la gente sea más sensible a su propia interioridad; para que descubra cosas que no sabe de sí misma; para que vea el mundo de una manera más profunda; para que encuentre un significado más rico en cada cosa o no encuentre ninguno, pero descubra la belleza; para combatir la estupidez; para ir más allá de los resultados deportivos. Vemos que en eventos como las Olimpíadas, el año pasado, no hubo muchos deportistas brillantes, pero poca gente sabe que hay muchos poetas mexicanos de primera línea, como los mejores de cualquier parte del mundo.

Francisco Hernández:
1. Actualmente vivo de la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte (Fonca) y de algunos cursos, talleres, publicaciones. Esto en el presente, pero durante 29 años viví de trabajar en agencias de publicidad, como copyrigther primero y años después como director creativo.

2. Los poetas no sirven para nada, como las marchas, aunque en el fondo sí sirven y hay que hacerlas. Lo curioso es que siga viva, la poesía, que se sigan haciendo libros y revistas de poesía, que por todos lados hay talleres y el movimiento continúa. Si no fuera por el sistema de becas seguramente estaría trabajando en el esquema privado de las agencias de publicidad, mismo que dejé por las becas, por la posibilidad de dedicarme por entero a vivir de la poesía, de lo que hago, y sentir lo que era esto.

Eduardo Milán:
1. En los casi 25 años que tengo viviendo en México me mantuve durante muchísimos años colaborando en diarios y revistas, dando cursos y talleres, pero viviendo mal económicamente, porque no tenía ninguna estabilidad. Luego empecé a dar clases y durante alrededor de 12 años impartí cursos en el ITAM, en el Claustro de Sor Juana, en Casa Lamm e incluso algunos cursos en la UNAM, pero me metió todo esto en una dinámica de locura, este tipo de aventura misionera constituía una demencia en una ciudad como ésta, independientemente de que la educación está muy mal pagada.

2. La poesía ocupa una posición difícil en términos de su directa relación con la capacidad de servir para algo, y lo digo porque es un arte que requiere de cierta especialización y su materia es el uso de un lenguaje que implica cierta dificultad, y la sociedad actual está empeñada en una política o una estrategia de banalización o superficialización de todo aquello que de alguna manera implique el ejercicio del pensamiento o del conocimiento. Así las cosas, la poesía está en dificultades a nivel mundial, y en el caso de México se restringe con bastante orgullo y soberbia a circular entre los productores de poesía, es decir, los lectores de poesía son los mismos que la producen.

Víctor Manuel Mendiola:
1. Vivo de realizar trabajo por honorarios. Como todo lo que sé hacer está relacionado con mis lecturas y mi escritura, los servicios que ofrezco son de edición o editoriales. Puedes deducir fácilmente que mi actividad es insegura, pero intensa y gozosa.No puede ser de otra manera, si puedes dedicarte a leer y a pensar..

2. Por fortuna la poesía no sirve para nada. Como ya se ha dicho tantas veces, no es un negocio, pero sí es un ocio increíble alrededor del sentido o sinsentido del mundo. Los siguientes versos de Roberto Juarroz son un ejemplo: “Todo sucede, pero al revés”. La poesía, si puedes preñar a sus musas, te da todo entregándote nada. Siempre es increíble hablar con un poeta, sobre todo, leerlo. Adviertes inmediatamente cómo la comprensión y la plenitud de ese lenguaje que llamamos poesía transfigura el mundo y lo hace mejor.

Eduardo Hurtado:
1. Vivimos “al día, y de milagro... como la lotería”. Andamos, ni dudarlo, a régimen de subempleo, o, lo que es lo mismo, entre la traducción, el magisterio, el taller, el reseñismo y la corrección de estilo o de galeras. De algunos años a esta parte, los más afortunados hemos logrado atenuar nuestras penurias (ante el asombro y la envidia de nuestros colegas en otras latitudes) con esporádicos, milagrosos y muy auxiliadores apoyos del Fonca.

2. A primera vista, para nada. Y esta aparente inutilidad la ha mantenido más o menos a salvo de un montón de coacciones (casi todas relacionadas con la usura y, claro, con los usureros). Bien visto, para lo más esencial: crear mundo, persistir en la esperanza. Cito a Baudelaire y suscribo su opinión, no exenta de sarcasmo: un hombre sano puede sobrevivir algún tiempo sin comer, pero no sin poesía...

Fabio Morábito:
1. Me gano la vida como investigador en el Instituto de Investigaciones Filológicas de la UNAM, donde en los últimos años mi actividad principal ha consistido en traducir: estoy por terminar la traducción de la poesía completa de Eugenio Montale, que saldrá publicada en España el próximo año.

2. En cuanto a la segunda pregunta, me gustaría responder que no sé bien para qué sirve la poesía, pero creo que si sirve para algo (y para algo ha de servir, de otro modo se habría extinguido hace mucho), su utilidad es más o menos la misma que ha tenido siempre. Sin embargo, en la actualidad, la comunicación masiva, con su uso cada vez más irresponsable del lenguaje, ha creado un tal batiburrillo conceptual, que la poesía, que es la forma de escucha más atenta, el ejercicio de oído más riguroso, nos devuelve una fe en las palabras que la verborreica exterior ha mermado grandemente. Pero no se escribe poesía para sanar o purificar nada, ni el lenguaje ni el alma. Se escribe porque, sencillamente, nos atrae el peso y la música de las palabras.

Myriam Moscona:
1. He trabajado toda mi vida en periodismo cultural, en radio, en televisión y en prensa escrita. Actualmente tengo una sección semanal en confabulario, suplemento cultural de El Universal y como tantos otros poetas, hago chambas ocasionales que van de comisiones de evaluación, colaboraciones bajo pedido, talleres, charlas, lecturas, además de algunas participaciones en las que como pago te dan un separador de libros o un lindo diploma. El trabajo del poeta tiene un cierto valor en nuestra sociedad, un valor de prestigio, pero no tiene, como en otros oficios y profesiones, un valor de cambio. No es nada raro regalar tu trabajo, regalar tus libros, tus textos, tus lecturas. Existen revistas periódicas del Estado que no tienen presupuesto para sus colaboradores (sólo para sus directores). Alentadores ejemplos, ¿no?

2. La poesía, además de acompañar y darle resonancia a la experiencia de unos cuantos, hace una labor silenciosa e invisible. La poesía oxigena al lenguaje, lo despereza, lo estira, lo contrae, lo hace maleable, lo reinventa. Es, digamos, el área científica de la lengua, en cuyos tubos de ensaye se practican y arriesgan mezclas que mantienen viva no sólo la tradición, sino la vitalidad de ese complejo organismo del lenguaje. La acción de la poesía es la misma que la del corazón: purifica la sangre y la manda de regreso.

Efraín Bartolomé:
1. Desde hace treinta años ejerzo la profesión para la cual me formé: soy psicoterapeuta y la vida me hizo especialista en el dolor emocional severo, principalmente depresión suicida y estados de ansiedad, incluidas sus formas más extremas como la agorafobia, los ataques de pánico, el síndrome de shock postraumático y el síndrome obsesivo compulsivo. Gracias a mi profesión he cumplido con mis obligaciones familiares y he pagado el techo que me cubre y la mansión que habito, el pan que me alimenta y el lecho en donde yago. Mi trabajo me ha permitido comprar el tiempo que ofrendo en el altar de la Poesía y cumplir con los ritos que conlleva: cuidar la Naturaleza, sembrar árboles gloriosos, hacer jardines. Ahora estoy sembrando un bosque de bambú que espero dure por lo menos un siglo. Me gusta sembrar mientras los demás tumban.

2. ¿Para qué sirve la poesía en tiempos de miseria? ¿Para qué sirve la poesía después de Auschwitz, después de Hiroshima, después de Vietnam, después de Chernobyl, después del 11-S, después de todo eso que le han dado los dioses masculinos a la humanidad? Sirve para lo que ha servido siempre: para darle sentido al caos. El nombre del poeta es Caosmos. El poeta invoca a la gran Diosa en nombre de sus hermanos porque la Diosa sólo responde si es invocada con palabras de poeta. El poeta sirve a la Diosa y no a sus hijos caprichudos: ni Mammón, ni Zeus, ni Apolo. Dice “no” al comercio, al claustro universitario, a la oficina del “asesor”. El poeta sirve a Deméter: sin ella no hay vida vegetal y sin ésta no hay vida animal ni vida humana. Sin ella la vida se marchita y todo pierde sentido: incluso la existencia misma de los dioses. La Poesía sirve también para mantener libres de gérmenes las herramientas del pensamiento: cuida las palabras. Produce uno de los placeres más altos a los que puede acceder la humanidad: ninguna droga alcanza a rozar el paraíso como lo hace la Poesía. Sirve también para curar, para dar esperanza, para tocar el corazón de las cosas y para poner en comunión emocional a los seres humanos más allá del espacio y más allá del tiempo. Para eso, entre otras cosas que se me olvidan…

Juan Domingo Argüelles:
1. Publiqué mi primer libro en 1982, hace más de veinte años. En total, he publicado doce libros de poesía. Desde hace más de veinte años vivo del periodismo, el trabajo editorial y la promoción cultural y literaria. Estas actividades me han llevado a otras afines (trabajo actualmente en bibliotecas), pero nunca tuve ni remotamente la idea de que la poesía pudiera ser la responsable de mi sustento material. La poesía permite vivir, pero está muy lejos de ser un trabajo. Prueba de ello es que en el periodismo los artículos, las reseñas, las notas de lectura y con frecuencia hasta las notas de no lectura se pagan (se pagan mal, pero se pagan); en cambio los poemas no los pagan ni en los suplementos culturales. Cualquiera te pide un poema gratis, porque supone que tus cajones o tus libretas o tu computadora están llenos de ellos pidiendo a gritos ser publicados. Un poeta vive como puede; casi nunca como quiere. Lo fundamental es que no viva tan antipoéticamente que ello lo conduzca a dejar de ser poeta.

2. Te respondería más bien para qué sirven los poetas, y lo haría recurriendo a una frase exacta de Jaime Sabines: “¿De qué sirven los poetas? Sirven, como en el mito de Sísifo, para subir la roca que ha de caerse, para sacar la flor de las cenizas, para arrojar del corazón del hombre el desencanto”. Pero, en realidad, la mayor parte de la gente vive tan antipoéticamente que los poetas y la poesía no les sirve absolutamente para nada. El mundo se la puede pasar muy bien sin los poetas y sin la poesía. Y por eso se la pasa tan mal. Bien lo merece.

Las miradas de Gelman

2006-12-18T13:15:00.000-08:00

La distancia entre la literatura y el periodismo, podría pensarse, estriba en que mientras la primera define su rumbo sin pensar en la verdad real ni en los hechos de la vida cotidiana, el segundo vive para eso, para registrar acontecimientos que serán sustituidos por otros al siguiente minuto. La primera se aleja de la presión del tiempo y el segundo vive para morir todos los días.

De reciente aparición (Ediciones ERA,2006), Miradas, de Juan Gelman, es un delicioso libro de retratos escritos desde la literatura y con la mirada de un periodista que no teme a ser clasificado. No estamos ante un compendio de repasos biobibliográficos, sino ante una galería de cuadros meticulosamente curados y museografiados: 77 acercamientos a todo tipo de artistas, centralizando su mirada en los resquicios y las grietas que hacen de la vida privada de los creadores verdaderos misterios por descubrir: el Alzheimer de Cioran años antes de su muerte; la locura de Virginia Woolf, quien “oía cantar a los pájaros en griego”; Nietzsche, apasionado de las dietas más austeras, se regala una pródiga cena un día antes de caer abatido por el colapso que lo dejó mudo los últimos 11 años de su vida; la turbulenta relación de amistad-envidia entre Scot Fitzgerald y Ernest Hemingway, las pasiones de Rothko y su acto de escapismo, cortándose las venas a la altura de los codos; los delirios de D.H. Lawrence y de Rimbaud; setenta y siete miradas profundas y sensibles que se detienen en los pliegues que hicieron de estas vidas sucesos para la literatura.

Es éste un libro que todo periodista debe leer como una lección de profesionalismo, para entender que no todo –casi nada de hecho– de lo que se publica en los diarios es periodismo, sino relleno. Este libro, con sus distancias, me remite a otro escritor que ejerció el periodismo con una dignidad llevada a límites de excelsitud, Luis Cardoza y Aragón, y ambos, sin duda, nos recuerdan las mejores páginas de Alfonso Reyes, tan cargadas de literatura, que son hoy piezas ejemplares para todo escritor, no digamos ya, para cualquier periodista o aspirante.

Juan Gelman ha unificado periodismo y literatura sin haber exigido sacrificio a ninguno de los dos lados del río.

Kubla Khan, de Julian Herbert

2006-12-18T13:12:00.000-08:00

La literatura nubla la vista, a veces acaba con ella, no son pocas las ocasiones en que, acechando al lector, acaba con sus ímpetus y lo arroja lejos de la playa del placer. Pero hay también una literatura que enciende las células dormidas en nuestro cerebro. El caso de Kubla Khan, de Julián Herbert (Ediciones ERA / CNCA, 2005), es más bien como una droga, un estimulante que, como el opio, primero adormece y sumerge a quien lo prueba en un sueño delirante, y cede el paso a un placer sin fin, un conocimiento que, silencioso, recorre las venas y llena todo de sentido.

Probablemente nacido de un sueño recurrente con el poema de Coleridge, a su vez producto de un sueño durante el verano de 1797 (algunos dirán 1798), Kubla Khan sirve de hilo conductor para los delirios de Herbert, que logra reunir en un mismo volumen la materia de sus afinidades y de sus obsesiones. Una cultura chatarra que nos inunda y se trasforma en iconografía de un posmo-pop atrincherado en carreteras, ciudades y desiertos. La suya es una literatura que se cocina a temperaturas cercanas a la fundición. Una poesía que nos contagia su esplendor, su buen humor, su erudición al servicio de una agilidad que le hizo merecedor del premio Gilberto Owen en 2003. No es un poeta de cubículo ni de espacios en blanco, aéreos y ligeros, el suyo es un mundo que se despeña con frecuencia hacia los abismos de la locura y la experiencia mística, pero nunca un mundo que se desintegra o se destruye.

En el siglo XIII Kubla Khan —escribe Borges— “sueña un palacio y lo edifica conforme a la visión; en el siglo XVIII, un poeta inglés –Coleridge– que no pudo saber que esa fábrica se derivó de un sueño, sueña un poema sobre el palacio”, y este juego descubierto por el basilisco argentino revela un plan maestro: “Algún lector de Kubla Khan soñará, en una noche de la que nos separan los siglos, un mármol o una música. Ese hombre no sabrá que otros dos soñaron, quizá la serie de los sueños no tenga fin, quizá la clave esté en el último”. Estos pasajes, sin duda, están escritos en algún cuaderno de notas de Julián Herbert, quien quizá sueña constantemente que alguien le habla, le dicta una sentencia, un aforismo, quizá un manuscrito entero.